Gran parte de lo que realmente hace a una historia memorable son sus personajes. Estos ayudan a que la audiencia se pueda relacionar más con la trama. Por eso es que diseñar personajes resulta tan importante en cualquier proyecto animado. Si te interesa aprender más al respecto, aquí te compartimos información sobre el diseño y desarrollo de personajes originales, tomando como ejemplo el trabajo realizado en múltiples cintas animadas del 2022.
De esta manera, podrás conocer un poco sobre la metodología que siguen los artistas detrás de producciones animadas profesionales de gran calibre: desde las inspiraciones que sirvieron para sembrar la idea detrás de un personaje, hasta el proceso de llevarlo a la gran pantalla. Esto no sólo resulta interesante de aprender, sino que incluso te puede servir como referencia para tu propio proceso creativo.
Conde Volpe: Pinocho por Guillermo del Toro
Según explica el supervisor de animación, Brian Leif Hansen, Del Toro buscaba un personaje que pudiera aparecer como un entretenido hombre de circo en un momento y rápidamente cambiar en un villano despiadado en cuestión de segundos. Por ello, su primera inspiración fue el Doctor Jekyll, quien al tomar una poción es capaz de transformarse en su lado malvado, el Señor Hyder. Naturalmente, el cambio en el Conde Volpe se da no solo a través de su personalidad, sino incluso por medio de su postura y movimientos.
Cuando se presenta como el líder del circo ante la audiencia, sonríe y se para derecho, con los brazos extendidos. Pero cuando amenaza a Pinocho y Spazzatura, se joroba e inclina sobre ellos, alzando sus hombros para verse más intimidante ante sus víctimas. Por otra parte, para las escenas musicales donde el personaje canta y baila se usaron distintas referencias: desde la actuación de Bob Fosse en la cinta del Principito de 1974, hasta los Hermanos Nicholas y Michael Jackson.
“El Conde Volpe es uno de los personajes más grandes, por lo tanto su marioneta era pesada y difícil de manipular. Requería muchos soportes para poder mantenerse de pie, así que las escenas musicales representaban un reto adicional, pues además debía brincar y bailar. Pero creo que pudimos captar ese aspecto de su personalidad que se presenta como un artista que gusta apantallar a su público”. – Brian Leif Hansen, supervisor de animación.
Cuando se trata del desarrollo de personajes, el actor de voz que interpretará el papel resulta bastante importante. Usualmente, se graban todas las líneas de diálogo y se analizan, junto a los movimientos del actor durante la grabación, de modo que influyen el comportamiento del personaje en la cinta. En este caso, Christopher Waltz resultó ser una gran elección, ya que realiza movimientos grandiosos y llamativos, los cuales eran perfectos para el Conde Volpe.
El Lobo: El Gato con Botas y el Último Deseo
Tal como se muestra en la cinta, la imagen del lobo es similar a la de un pistolero, samurái o caza recompensas. De hecho, su capucha sirve para mostrar la combinación de este tipo de influencias, tanto occidentales como asiáticas, así como el hecho de que realmente es la Parca. Por otro lado, Nate Wragg, diseñador de producción, se basó en el lobo de La Princesa Mononoke para diseñar su rostro: creando un hocico alargado y delgado como el de un cocodrilo. Todo esto sumado a los ojos rojos, sería una clara indicación tanto para el Gato con Botas como la audiencia, de que se trata de un personaje realmente peligroso.
Otro aspecto importante es como el comportamiento del lobo va cambiando a lo largo de la cinta: pues se presenta más civilizado al inicio, casi como una persona ordinaria. Sin embargo, conforme transcurre la historia y acecha al protagonista, se vuelve cada vez más salvaje. Cuando finalmente está por atraparlo, su postura se vuelve más como la de un animal, citando como una inspiración a Jon Talbain, el hombre lobo en los videojuegos de DarkStalkers. ¿Y qué hay de su enigmática personalidad?
Ludovic Bouancheau, encargado del departamento de animación, afirma que se basaron en distintos villanos icónicos en la historia del cine: tales como Anton Chigurh en No Country for Old Men, Lucifer de Constantine y Oxana Vorontsova en Killing Eve. Estos personajes aportaron a distintas facetas del personaje, tales como su calma amenazadora, la manera en que resulta voluble e impredecible y finalmente, su obsesión con cazar al Gato con Botas.
Pero las referencias no terminan ahí, ya que para las escenas de combate se basaron en las coreografías típicas en series de anime como Samurai Champloo, Dragon Ball, Naruto, Bleach y One Punch Man. Con todo esto, es claro que aún cuando se trata del diseño y desarrollo de personajes originales, es común utilizar toda clase de inspiraciones y referencias a lo largo del proceso creativo.
“Un gran villano es la encarnación de los peores miedos del héroe. En nuestra historia, conforme el Gato con Botas debe aprender a lidiar con la mortalidad de su propia existencia, la Muerte resulta ser el gran antagonista. Sin embargo, no queríamos hacer un archienemigo cualquiera y esto resultó ser más difícil de lo que creímos al inicio”. – Joel Crawford, director en El Gato con Botas: El Último Deseo
Mei: Turning Red
Tal como sucedió en el caso anterior, el anime también influenció el desarrollo visual de Turning Red: con diseños de personajes altamente expresivos, una paleta de colores vibrantes e incluso efectos visuales 2D integrados con el característico estilo de Pixar en 3D. Rona Liu, diseñadora de producción, afirma que el equipo creativo se inspiró en todo lo que les gustaba cuando tenían 13 años, incorporando diversas referencias en un estilo artístico único. Esto se logró con ayuda de Keiko Murayama, quien trabajó de manera freelance como diseñadora de personajes.
“La transformación en un panda rojo es una metáfora para la etapa de la adolescencia pero también para todo lo que heredamos de nuestras familias y la manera en que lidiamos con ello. Para Mei, esto refleja los cambios que suceden en su cuerpo así como en sus relaciones personales”. – Domee Shi, directora de Turning Red.
Para el diseño de Mei y sus amigas, Keiko se inspiró en las fotos de Rona Liu y Domme Shi cuando eran adolescentes. Por su parte, el pelaje esponjoso y alborotado de Mei cuando se transforma en un panda rojo gigante, fue basado en un montón de alpacas que vieron los miembros del equipo creativo durante la etapa de preproducción. Y por supuesto, también se incluyeron distintos elementos del arte y cultura tradicional en China, especialmente el lenguaje visual que gira en torno a formas y figuras circulares.
Finalmente, el diseño y desarrollo de personajes en Pixar siempre va de la mano con avances tecnológicos y nuevas herramientas. En el caso de Turning Red, debían de trasladar la expresividad de personajes en animación 2D al mundo de cgi que usan en el estudio. Para ello usaron un programa nuevo llamado Profile Movers: el cual incluye un sistema de rigging avanzado capaz de llevar las expresiones y movimientos más allá de lo que tradicionalmente es posible en la animación 3D.
Captain Crow: The Sea Beast
Chris Williams, director de la cinta, explica que este personaje debía distinguirse con una apariencia formidable e imponente, al tratarse de uno de los marineros más reconocidos en el mundo donde transcurre la historia. Para lograr esto, Josh Beveridge, encargado del departamento de animación, se basó en dos personas: Brock Lesnar como inspiración para el aspecto del personaje y Tom Hardy para sus manerismos y movimientos. Naturalmente, también entrevistó a marineros y capitanes en la vida real para aprender las cualidades que el personaje debía tener para mantener cierto grado de autenticidad.
“El reto más complicado con este personaje era la cantidad de restricciones que debía tener en su actuación. Hablamos por horas y horas acerca de las cosas que pensaría y sentiría el Capitán Crow y como los animadores debían ser capaces de expresarlas sin decir una sola palabra, únicamente mediante acciones sutiles. Cada decisión debe tener un significado y en el momento que finalmente hay una pelea, los espectadores quedarían sorprendidos al ver lo ágil y dinámico que es al luchar.” – Chris Williams, director en The Sea Beast.
Este es otro punto importante en el desarrollo de personajes, pues en ocasiones no es necesario que estos sean expresivos y extrovertidos todo el tiempo. También puedes crear personajes que tengan profundidad, contraste y peso en cada escena a pesar de contenerse en su actuación. De manera que cuando finalmente exprese sus emociones, resulte más sorprendente e importante para tanto la historia como la audiencia.
