Gran parte de lo que realmente hace a una historia memorable son sus personajes. Estos ayudan a que la audiencia se pueda relacionar más con la trama. Por eso es que diseñar personajes resulta tan importante en cualquier proyecto animado. Si te interesa aprender más al respecto, a continuación te presentamos distintos consejos y lecciones en diseño de personajes, tomando como ejemplo el trabajo realizado en múltiples cintas animadas del 2022. Cabe mencionar que la animación 3D está cada vez más en auge y la tendencia es intentar llevarla lo más posible a la realidad.
No obstante, desde hace unos años ha habido cintas que se destacan por ir en la dirección opuesta: implementando elementos 2D y adoptando un estilo más caricaturesco. Un ejemplo de esto podría ser el caso de Into the Spider-Verse o Los Mitchell vs Las Máquinas. Pero no solo Sony Animation ha decidido ir por este camino, ya que cintas como The Bad Guys, Strange World, El Gato con Botas, Turning Red, Wendell and Wild y Pinocho han logrado destacarse gracias a su animación y dirección artística. Esto se refleja en el diseño de personajes, logrando nuevos aspectos, estilos y tendencias.
The Bad Guys
Imágenes propiedad de Dreamworks. Diseño por Taylor Krahenbuhl.
Esta película de animación por computadora combina elementos tanto 2D como 3D, siendo inspirada por el trabajo realizado por Sony Pictures Animation para Into the Spider-Verse. No obstante, conserva el aspecto icónico de caricaturas clásicas como los Looney Tunes. Y es que el plan de Dreamworks era crear un estilo visual más estilizado que el de sus producciones anteriores.
“No buscábamos precisión y realismo sino más bien capturar una idea o emoción. Por ello pedí a los animadores que no se limitaran a copiar vídeos y referencias sino más bien que trabajaran como si fuera una ilustración artística. Esto causó distintos retos a lo largo de la producción, pues iba en contra de lo que el motor de render y el equipo estaba acostumbrado a hacer”. – Pierre Perifel, director en The Bad Guys.
Imágenes propiedad de Dreamworks. Diseño por Taylor Krahenbuhl.
Naturalmente, el diseño de personajes respetó el material original presente en los libros infantiles que sirvieron como base para la cinta animada. Aunque cabe mencionar que también se inspiraron en el trabajo de distintos artistas como Hergé, Toriyama, Uderzo, Franquin y Moebius. Hergé fue el creador de Las Aventuras de Tintín, mientras que Toriyama es el autor de Dragon Ball. De hecho, Dragon Ball no fue el único anime en servir como referencia para The Bad Guys. También se usó el trabajo de Hayao Miyazaki y series como Cowboy Bebop y FLCL.
Taylor Krahenbuhl, artista en Dreamworks, explica una de las lecciones en diseño de personajes: no importa qué tan realista o caricaturesco sea el estilo que manejes, es importante que le des énfasis a los ojos de tus personajes. Después de todo, la mirada resulta crucial a la hora de transmitir pensamientos y emociones. Por ello, también debes tener en cuenta las cejas, ya que se encargan de encuadrar y acentuar la silueta de los ojos.
Strange World
Imágenes propiedad de Disney. Diseños por Jin Kim.
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Además de novelas escritas por Julio Verne, Arthur Conon Doyle y HG Wells, Strange World se inspiró en cintas de ciencia ficción como “Viaje al Centro de la Tierra” y “King Kong”. Por su parte, el diseño de personajes se inspiró en cómics antiguos, utilizando trazos gruesos en el delineado así como un acabado visual como el de las publicaciones de la época. Según explica Jin Kim, diseñador de personajes en Disney, otro elemento característico de estas publicaciones es el uso de formas circulares y suaves. Esto se refleja en la apariencia de la Familia Clades, ya que todos ellos tienen narices grandes y redondas.
Además se utilizaron paletas de colores que van desde el blanco y naranja hasta el rojo y magenta para representar los escenarios de Avalonia y el mundo subterráneo donde transcurre la historia. Es en esta extraña tierra donde los personajes conocen a Splat, una misteriosa criatura que los acompaña en su viaje. Ya que es incapaz de hablar, los animadores se basaron en la alfombra mágica de Aladdin para darle vida y que fuera capaz de comunicarse únicamente mediante sus movimientos.
Imágenes propiedad de Disney. Diseños por Jin Kim.
“El personaje más difícil de diseñar es aquel que no tiene nariz, ojos ni ningún rasgo en realidad. Splat sin duda fue el más complicado y retador. Si lo ves, parece realmente fácil y sencillo de dibujar pero la complejidad radica en que no puedes usar expresiones ni diálogos para que la audiencia entienda lo que el personaje intenta comunicar. Ahí es donde todo radica en el movimiento corporal”. – Jin Kim, veterado artista y diseñador de personajes.
Todo esto va relacionado con otra de las lecciones en diseño de personajes. El movimiento resulta crucial, no solo a la hora de transmitir sus emociones y pensamientos sino también en lo que se refiere al proceso de animación. Si algo en el personaje no funciona durante la prueba de movimiento, se puede ajustar el diseño para evitar cualquier posible error más adelante y facilitar el trabajo de los animadores.
El Gato con Botas: El Último Deseo
Imágenes propiedad de Dreamworks. Diseño por Andrea Blasich y Jesús Alonso Iglesias.
Al igual que en el caso de The Bad Guys, esta cinta se vio inspirada en Into the Spider-Verse. Es por ello que su estilo visual, a diferencia del utilizado en las cintas de Shrek, tiene un aspecto más artístico al emular el acabado de pinturas e ilustraciones presentes en los cuentos infantiles. En palabras de Nate Wragg, diseñador de producción en la cinta, el furor que causó Shrek fue gracias a que en su época, la animación 3D era algo revolucionario debido a lo realista que podía verse.
Sin embargo, hoy en día no basta con adquirir cierto nivel de realismo, sino que además hace falta un toque de expresión más artística. Es por ello que se optó por dejar el acabado fotorealista y seguir más un estilo que pudiera emular las pinturas e ilustraciones hechas con acuarelas. Esto se logró al realizar dibujos, los cuales eran animados en 2D mediante técnicas tradicionales por encima de la composición en cgi. Por si fuera poco, se deshabilitaron herramientas como el motion blur para que el movimiento de los personajes fuera más natural y perceptible.
“Reducimos la complejidad de las imágenes para alejarnos del realismo e ir más en busca de un estilo impresionista e ilustrado, casi como recreando un cuento de hadas moderno. El CGI de hoy en día da una apariencia casi perfecta y en esta película queríamos más bien darle un toque humano”. – Nate Wragg, diseñador de producción.
Turning Red
Imágenes propiedad de Pixar. Diseños por Keiko Murayama y Maria Yi.
A pesar de que mantiene el característico estilo de Pixar, Turning Red también incorpora referencias visuales a la animación japonesa: con diseños de personajes expresivos, una paleta de colores vibrantes e incluso efectos visuales 2D en diversas escenas. Esto se logró con ayuda de Keiko Murayama, quien trabajó de manera freelance como diseñadora de personajes.
Siendo que el anime era una referencia muy importante para la cinta, se dejó de lado el realismo que suele caracterizar a las producciones de Pixar. Por ejemplo, los personajes tienen expresiones mucho más exageradas: desde pequeñas estrellas en sus ojos cuando miran algo que les gusta, hasta escenas donde su boca se vuelve el doble de grande para denotar una gran sorpresa.
“El resultado es una combinación de elementos occidentales y orientales: bandas y videos musicales, accesorios brillantes, películas y mucho anime. Mezclamos todo eso para crear un diseño único y con nuevas sensibilidades. Debía ser impresionante pero también suficientemente original”. – Rona Liu, diseñadora de producción en Turning Red.
Wendell and Wild
Historia y personajes de Henry Sellick. Arte de Pablo Lobato.
Para definir el aspecto visual de los personajes y el mundo que habitan, Henry Selick trabajó de cerca con Pablo Lobato. Lobato fue el encargado del diseño de producción en la cinta y si bien tenía amplia experiencia en el mundo de la ilustración, ésta era su primera vez dentro de un proyecto animado. Para los personajes de la película, Lobato se inspiró en el trabajo de Picasso así como el arte característico de máscaras y esculturas africanas. Esto lo tradujo al papel, dibujando bocetos del arte conceptual que posteriormente fueron revisados y aprobados por Selick. Finalmente, los artistas del equipo se encargaron de crear los modelos 3D basados en estos bocetos.
“En la película hay dos mundos: el mundo real y el inframundo. En el infierno que habitan los demonios predomina un estilo más sencillo y geométrico, sin texturas. Mientras que en el mundo de los humanos tenemos un aspecto más tradicional, lleno de colores, formas y texturas”. – Pablo Lobato, diseñador de producción en Wendell and Wild.
Así como el uso de figuras geométricas fue de gran importancia para el estilo de Wendell and Wild, también se relaciona con otra de las lecciones en diseño de personajes. Tus personajes deben estar conformados por tres figuras principales, círculos, cuadrados y triángulos. De igual manera, estos tienen que variar de tamaño, chico, mediano o grande, para brindar un mejor contraste visual.
Por ejemplo, los personajes que se componen principalmente de figuras cuadradas tienen una apariencia que va de acuerdo a su personalidad: obstinada, rígida y reacia a cambiar. En otro caso, los diseños que se componen de figuras redondas tienen un estilo más llamativo y amigable. Finalmente, el uso de figuras predominantemente triangulares da un aspecto más agresivo y llamativo.
Historia y personajes de Henry Sellick. Arte de Pablo Lobato.
