¿Te apasiona escribir y tienes una historia que deseas contar? ¿Quieres poder adaptarla como una película animada? En ese caso, necesitas aprender a escribir un guion de animación: donde se explica a detalle no solo la trama, sino también los diálogos entre personajes o cualquier suceso relevante en las distintas escenas. Además, el guion contiene toda la información necesaria para realizar el storyboard, a través del cual la historia comenzará a tomar un aspecto más visual. Con todo esto, te queremos decir que escribir un guion es indispensable para el desarrollo y producción de cualquier película. Pero descuida, que a continuación te compartimos información a detalle sobre cómo escribir un guion de animación.
Esta información es proporcionada por Mike Kennedy, quien ha trabajado en el departamento de historias en Disney Animation por más de 20 años. Ha colaborado en cintas animadas del estudio tales como La Bella y la Bestia, Hércules, Tarzán, Las Locuras del Emperador, Bolt, Enredados, Ralph el Demoledor, Frozen, Big Hero 6 y Raya y el Último Dragón. Además de contar con experiencia como animador y artista de storyboard, Mike Kennedy conoce a detalle el proceso creativo utilizado en Disney a la hora de escribir un guion de animación.
A continuación te explicamos más al respecto: desde la elaboración del primer borrador, el proceso de revisión y edición así como el punto en que la historia comienza a ser animada. Por supuesto, toda esta información no solo te ayudará a entender cómo funciona el departamento de historias en un estudio, sino que también te puede resultar útil a la hora de escribir tu propio guion de animación.
ESCRIBIR UN GUION DE ANIMACIÓN EN DISNEY ANIMATION
Imagen e información de Mark Kennedy, escritor y artista en Disney Animation.
Según afirma Mike, todo empieza en la fase de desarrollo: la cual involucra investigar exhaustivamente todo lo necesario para poder escribir un guion. Es decir, desde el tema central de la historia hasta el lugar y época donde estará ambientada. Posteriormente se idean los personajes y se comienza a pensar en la trama. Este proceso de hecho es de vital importancia, ya que sienta las bases de toda la historia, misma que influenciará el resto de la producción. Sin una buena historia, no puedes tener una buena película animada.
Es por ello que en Disney Animation la fase de desarrollo puede durar años, pero es por esto mismo que sus películas cuentan con un alto nivel de detalle así como toques de autenticidad y realismo. Este proceso es altamente colaborativo, por lo que requiere la participación tanto de escritores y artistas de storyboard, como directores, productores y ejecutivos de desarrollo.
Una vez que se ha completado la fase de desarrollo y se tienen todas las ideas centrales, el escritor se encarga de unirlas coherentemente en una sola historia. Por lo general se empieza desarrollando un borrador general de 10 o 12 páginas, para después comenzar a trabajar en el guion de animación que habrá de narrar toda la película. Normalmente un guion para una cinta animada puede tener de 80 a 100 páginas en total.
LA IMPORTANCIA DEL STORYBOARD
Imagen e información de Mark Kennedy, escritor y artista en Disney Animation.
Aquí es cuando entran los artistas de storyboard, ya que empiezan a trasladar la información del guion a un medio más visual. A veces reciben únicamente de 3 a 8 páginas, es decir, fragmentos de la historia pertenecientes a una escena en específico. En ocasiones también se les asigna la tarea de hacer el storyboard para alguna canción presente en la trama. Dependiendo de todo esto, puede que un artista realice un storyboard que va desde los 150 hasta 1,000 paneles. Por si esto fuera poco, los artistas de storyboard en Disney Animation suelen hacer mucho más que simplemente dibujar la trama de un guion de animación.
De hecho son los primeros en comenzar a idear el aspecto tanto de los personajes como escenarios. A partir de las ideas generales e información presente en el guion, deben comenzar a explorar ambos elementos en función a cómo se integran en la historia: desde cómo luce un escenario hasta la personalidad de un personaje. También se requiere entender el ritmo de la trama, de modo que no se alente o vaya demasiado rápido. Finalmente, se necesita saber sobre composición de escenas y donde colocar la cámara en ellas. Todos estos detalles son los que establecen el tono y ambientación de la historia a lo largo de la producción.
“Cuando trabajé como animador, tenía a mi disposición los modelos de personajes, las hojas de layout así como la información del X-Sheet para entender a detalle la manera en que debía desarrollarse cada escena. En cambio, cuando me uní al departamento de historias, me di cuenta de que los artistas de storyboard no tienen nada de eso. El guion puede cambiar cada semana y nuevas ideas pueden surgir constantemente. Necesitas ser flexible y perseverante, aprendiendo a colaborar con los demás en el equipo”. – Mike Kennedy, escritor y artista de storyboard en Disney Animation.
LA PRIMERA REVISIÓN DEL STORYBOARD
Imagen e información de Mark Kennedy, escritor y artista en Disney Animation.
Una vez que el artista tiene su secuencia lista, compila todos los dibujos y los monta en una secuencia de video. Este video es proyectado de manera privada ante los escritores, directores y productores del proyecto. Posteriormente se tiene una discusión acerca de los elementos que no funcionan o resultan confusos, si la trama avanza de manera consistente, la actitud de los personajes y si la escena resulta entretenida. Todos dan su opinión honesta y discuten de estos temas abiertamente.
Esto permite que la historia pueda ser mejorada, refinando diversos elementos así como incorporando nuevas ideas. Debido a que se necesitan cumplir con fechas de entrega constantemente para no alentar la producción, los artistas disponen de una semana para hacer su storyboard y montar la secuencia inicial. Después de la revisión y debate, cuentan con otra semana para hacer los ajustes necesarios. Este proceso se reitera cuantas veces sea necesario hasta que finalmente la secuencia es aprobada por el director.
CONVIRTIENDO UN GUION DE ANIMACIÓN EN UN ANIMATIC
Imagen e información de Mark Kennedy, escritor y artista en Disney Animation.
El departamento de historias se encarga de revisar y editar el guion de animación en base a los cambios realizados en el storyboard finalmente aprobado. Esto involucra añadir diálogos, eliminar otras líneas o reacomodar ciertas escenas y darles un nuevo orden. Una vez que el guion de animación refleja todos los ajustes del storyboard, se comienzan a grabar los diálogos de los personajes en cada escena.
Debido a que en esta etapa todavía pueden surgir muchos cambios, no suelen traer a los actores de voz en este punto. Por el contrario, los diálogos son interpretados por artistas disponibles en el mismo estudio o actores provisionales. Inclusive, puesto que los personajes aún no están del todo definidos, puede que el estudio no esté seguro de que actores habrán de interpretarlos en la versión final.
Imagen e información de Mark Kennedy, escritor y artista en Disney Animation.
De cualquier manera, una vez que se han grabado todas las líneas, el editor se encarga de reunirlas, añadir música así como efectos de sonido y juntarlo todo en un animatic. El editor también debe hacerse cargo de las transiciones entre escenas, así como el ritmo de la historia, añadiendo cualquier elemento que considere necesario para complementarla. Una vez que todo esto está listo, los directores, productores y miembros del departamento de historias acuden a la sala de edición para ver el animatic terminado.
“El siguiente paso es decidir cómo proceder. ¿Se tiene que cambiar el guion de animación? Si es así, el escritor deberá volver a trabajar en las escenas, de modo que el artista de storyboard haga una secuencia nueva y pase nuevamente por el proceso de revisión. ¿Se necesita cambiar solamente el animatic? En ese caso, el editor da otra pasada a su trabajo, añadiendo o retirando diversos elementos”. – Mike Kennedy, escritor y artista de storyboard en Disney Animation.
PRESENTANDO LA HISTORIA ANTE TODO EL ESTUDIO
Imagen e información de Mark Kennedy, escritor y artista en Disney Animation.
Eventualmente la película entera es realizada y revisada de esta manera: con animatics de 90 minutos de duración que incluyen todos los storyboards así como diálogos y efectos de sonido temporales. En este punto, gran parte del trabajo ha sido realizado por el departamento de historias así como el editor, con notas colaborativas por parte de los productores y directores del proyecto.
No obstante, una vez que se tiene el animatic de toda la película, este es proyectado en una sala de cine privada en el estudio: la cual puede albergar hasta a 150 personas. Es aquí donde el trabajo del departamento de historias y edición se comparte por primera vez con el resto del estudio. Por políticas de Disney Animation, debe haber proyecciones de cintas en producción cada 12 a 16 semanas. De esta manera, ningún proyecto se queda olvidado y todos reciben retroalimentación de manera constante. No obstante, esto hace que los tiempos para llevar a cabo ajustes internos se vuelvan aún más cortos.
Imagen e información de Mark Kennedy, escritor y artista en Disney Animation.
Después de la proyección, todos los equipos de desarrollo en las distintas películas que están en producción se reúnen para hablar de sus respectivos proyectos. Estas reuniones pueden llevar varias horas, en las cuales se busca responder preguntas esenciales: ¿El mensaje central es el correcto para la historia? ¿Es necesario desarrollar un final alternativo? ¿Existen escenas que no se integran al tema de la película? ¿Los personajes se integran correctamente? ¿Sus actitudes y acciones van de acuerdo al mensaje de la cinta?
COMENZANDO EL PROCESO DE NUEVO
Imagen e información de Mark Kennedy, escritor y artista en Disney Animation.
Una vez que se tienen todas las notas y observaciones después de la proyección ante el estudio, es hora de volver a comenzar el proceso. Según explica Mike Kennedy, el trabajo del departamento de historias involucra repetir el proceso una y otra vez para evitar que los demás departamentos en el resto de la producción también tengan que comenzar de nuevo.
“Tenemos que asegurarnos de que todo funciona y repetir el trabajo de nuestro lado si es necesario. Es más barato y fácil rehacer todo un storyboard que rehacer un set digital, los modelos 3D o una escena ya animada”. – Mike Kennedy, escritor y artista de storyboard en Disney Animation.
En ocasiones este proceso se repite hasta realizar 7 proyecciones distintas ante el estudio, tras lo cual finalmente se hace una proyección ante un público externo a modo de prueba. Por supuesto, en este punto pueden seguir surgiendo notas y ajustes a realizar. Es por ello que el trabajo del editor y el departamento de historias puede involucrar cambios y proyecciones cada 16 semanas a lo largo de 2 o 3 años en total.
Finalmente, cuando se tengan las versiones finales del guion, el storyboard y el animatic, algunas escenas comenzarán el proceso de producción y animación. Algunos elementos de la historia se vuelven definitivos y ya no sufren más cambios, y poco a poco el proyecto deja de ser responsabilidad del departamento de historias y los editores. Conforme más y más artistas se involucran en la producción, la película pasa de ser una idea desarrollada por los escritores y artistas de storyboard a una colaboración entre todo el estudio.
CONSEJOS AL ESCRIBIR UN GUION DE ANIMACIÓN
Imagen e información de Mark Kennedy, escritor y artista en Disney Animation.
Ya sea que se trate de un estudio internacional como Disney o lleves a cabo tu propio guion de manera independiente, es importante poder tener retroalimentación acerca de tu historia. Idealmente, en un ambiente de honestidad y apoyo, esto te permitirá ir refinando tu historia y mejorar tu guion de animación. Sin embargo, hay ocasiones en las que ciertas personas simplemente no están de acuerdo con tus ideas. ¡No te preocupes! Es aquí donde también entran en juego los gustos personales y opiniones de cada quien. Recuerda que ninguna película o historia es hecha para todos.
Incluso cuando las personas parecen apoyar tu historia y comienzan a aportar ideas, debes ser capaz de evaluar cuales te pueden funcionar. Es útil mostrar tu guion a personas diferentes que puedan tener una visión nueva al respecto, ayudándote a descubrir nuevas perspectivas para avanzar la trama. Pero cuando son simplemente demasiadas ideas distintas, necesitas poder simplificarlas y eliminar todo aquello que sobra.
Naturalmente, durante los primeros borradores de tu guion tendrás que realizar muchos cambios. Esto es parte del proceso, ya que al principio se necesitan varios ajustes que te permitan definir la historia. Con el tiempo, tu idea se comenzará a solidificar, resultando en una trama más consistente y personajes mejor desarrollados. En este punto, los cambios dejarán de ser muy generales para volverse más específicos.
No necesitas hallar una solución o llevar a cabo cambios de manera inmediata. Por el contrario, es mejor tomarse unos días para pensar en los ajustes y encontrar las fortalezas o debilidades en tu guion. De esa manera, en lugar de hacer un cambio para una escena en específico, podrás idear maneras de mejorar tu historia de manera más completa.
Si deseas conocer más del trabajo de Mike Kennedy, puedes seguirlo a través de Instagram o en su sitio web.
