Ya seas un animador, diseñador de personajes, artista conceptual o de storyboard, es vital tener habilidades de dibujo a la hora de hacer tu trabajo. Después de todo, es esencial no sólo tener conocimientos en cuanto a proporciones y anatomía sino también saber aplicarlos. Todo esto es de gran ayuda a la hora de presentar tu portafolio de arte y darse a conocer en la industria creativa. ¿Pero qué pasa si aún no tienes todos los conocimientos necesarios? Después de todo, así seas un principiante que apenas da sus primeros pasos en el dibujo artístico o ya seas un profesional, nunca está de más el poder continuar aprendiendo y mejorando.
Es por ello que hemos recopilado distintas notas publicadas a lo largo del tiempo con información relevante al dibujo e ilustración: desde guías y recursos para aprender varias técnicas de dibujo, hasta libros y cursos recomendados para mejorar tus habilidades. También se dan consejos para elaborar un buen portafolio de ilustración e incluso los tipos de tabletas y programas más recomendados si decides trabajar de manera digital.
Recursos de Dibujo Artístico en Trazarte
Esta comunidad de artistas y dibujantes posee una extensa lista de recursos, artículos y guías dirigidas tanto para principiantes como expertos. Además cuenta con una galería de arte para que puedas publicar tus obras así como un foro donde podrás hacer contacto con otros artistas de alrededor del mundo.
En cuanto a sus recursos y tutoriales, estos cubren una gran variedad de temas: como darle vida y dinamismo a tus dibujos, llenar de expresión a tus personajes, alimentar tu inspiración y superar el bloqueo creativo, composición y como dibujar más rápido. Para todos aquellos interesados en hacer un dibujo artístico mediante técnicas tradicionales, también cuenta con una guía referente a lápices, colores, cuadernos de bocetaje y papeles más recomendados en el campo de la ilustración.
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Guías y Tutoriales Gratuitos de Dibujo Artístico
En IndustriaAnimación hemos compilado una lista donde podrás encontrar recursos, guías y tutoriales para aprender sobre dibujo artístico: desde los fundamentos del dibujo y la ilustración, materiales a usar y cómo superar el bloqueo creativo hasta técnicas de composición, manejo de sombras, anatomía, perspectiva y más.
Todos estos recursos están disponibles en diversos sitios web especializados en el dibujo artístico y lo mejor de todo es que son gratuitos. Por lo tanto, no tienes que preocuparte por armar un presupuesto o perjudicar tus finanzas. Ya sea que estés estudiando alguna carrera artística en la universidad o seas autodidacta, esta lista puede serte de ayuda para complementar tu aprendizaje y desarrollar aún más tus habilidades en el dibujo.
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Recursos de Dibujo en Toda Cultura
Este sitio posee diversos talleres y tutoriales en temas artísticos, especialmente en cuanto a acuarelas y dibujo se refiere. No obstante, lo interesante es que también cubre ciertos temas que aunque son más técnicos, pueden resultar de gran ayuda para todos los artistas que deseen llevar sus dibujos más allá.
Entre algunos de los temas que abordan sus cursos de dibujo tenemos el manejo de perspectiva y puntos de fuga, manejo de luces y sombras, conocimientos de composición e incluso como mantener siempre una correcta proporción según el uso del número áureo.
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Mejora tus Habilidades en Dibujo de Figuras y Caricaturas
Ahora entraremos a detalle en un tema que, de alguna manera, puede aplicar para otros conceptos importantes en el proceso animado. Y es que si vas a trabajar en un storyboard o tienes un portafolio centrado en diseño de personajes, es muy probable que necesites dominar el dibujo de figuras. Aquí te presentamos algunos consejos para aprender sobre ello, enfocado en un estilo propio para el dibujo de caricaturas.
Esto puede ser especialmente útil para todos los artistas que deseen trabajar en storyboards, cómics o diseño de personajes para una serie animada. Por supuesto, la clave está en practicar constantemente para así ir desarrollando tus habilidades cada vez más, pero también hay ciertos consejos que pueden servirte para acelerar el proceso y mejorar tu técnica de dibujo. No importa que para ello utilices tu tableta digital o recursos más tradicionales como lápices, tintas y papel.
Esto puede ser especialmente útil para todos los artistas que deseen trabajar en storyboards, cómics o diseño de personajes para una serie animada. Por supuesto, la clave está en practicar constantemente para así ir desarrollando tus habilidades cada vez más, pero también hay ciertos consejos que pueden servirte para acelerar el proceso y mejorar tu dibujo de caricaturas. No importa que para ello utilices tu tableta digital o recursos más tradicionales como lápices, tintas y papel.
Recursos y Tutoriales en Dibujar Fácil
Este sitio cuenta con diversos recursos y tutoriales tanto para principiantes como avanzados en el tema del dibujo artístico. Todo es explicado de manera bastante sencilla y aborda temas esenciales tales como el manejo de perspectivas, profundidad, composición y teoría del color. Todo mediante ejemplos prácticos y dibujos ilustrativos de los temas que se explican.
Por otro lado, también tiene guías respecto a puntos más específicos pero igualmente importantes, tales como dibujar una variedad de expresiones en tus personajes, distintos tipos de cabello y peinados así como aprender a dibujar caricaturas.
Si te interesa conocer más al respecto, puedes seguir leyendo nuestra nota completa haciendo click aquí.
Utiliza Referencias y Modelos
Es normal que si estudias alguna carrera relacionada con las artes, en algún punto tengas clases de dibujo con modelos en vivo. Esta es una gran manera de aprender sobre dibujo anatómico y proporciones, lo cual definitivamente te ayudará a mejorar tu dibujo, ya sea que busques un estilo realista o más estilizado. Después de todo, necesitas poder ver la manera en que un cuerpo luce en ciertas poses o cómo cambian los detalles del rostro en distintas expresiones si esperas poder dibujar toda clase de personajes.
No obstante, en la situación donde nos encontramos actualmente, puede que asistir a clases grupales y reunirse a dibujar modelos no sea lo ideal. Para ello, te recomendamos que mejor uses alguna biblioteca de imágenes para buscar fotos y modelos que puedas usar como referencias para tu dibujo de caricaturas.
Por supuesto, siempre puedes realizar una búsqueda rápida en Google, pero te sugerimos utilizar sitios especializados como SketchDaily, Line of Action, QuickPoses, Croquis Cafe, New Masters Academy, Proko y SenshiStock. Estos sitios son estupendos para ver toda clase de poses artísticas que te pueden servir como referencia a la hora de dibujar y aprender de figuras y proporciones.
Desarrolla un Estilo de Dibujo Adecuado
Muchas de las referencias que encontrarás en línea serán tal cual fotos de personas o bocetos realistas. Y claro que es recomendable que aprendas algo sobre dibujo realista y anatomía humana. Debes saber la manera en que se ve un cuerpo anatómicamente correcto para después poder exagerar ciertos rasgos o elementos que le den una apariencia más caricaturesca.
No obstante, con el tiempo será mejor que comiences a desarrollar tu propio estilo y dejes de dibujar figuras tal cual las ves exactamente en una fotografía o boceto. En vez de copiar lo que ves, dibuja lo que interpretas al ver una referencia. Poco a poco comienza a exagerar las proporciones de tus personajes o incluso agrega nuevos elementos que no estén presente en tu referencia. Cambia la expresión de tu personaje, su atuendo o dibuja un escenario a su alrededor que le de un nuevo contexto. Básicamente, aquí es donde comienzas a tener mayor libertad para hacer que tu dibujo sea más original.
Intenta dibujar a un mismo personaje 5 veces seguidas, lo más rápido que puedas. Por ejemplo, dedica dos minutos a dibujarlo cada vez, intentando ver tus referencias lo menos posible. De esta manera no sólo estarás adquiriendo mayor fluidez en tus trazos, sino que en lugar de ver a un modelo para usarlo como base, estarás usando la idea de cómo tu mente lo interpreta. Recuerda, no es necesario que dediques mucho tiempo en los detalles, sino que dibujes lo más rápido posible.
Exagera Ciertos Elementos en tus Personajes
Recuerda que al hacer dibujo de caricaturas, tus personajes deben verse llamativos e interesantes. Para ello es necesario que sepas exagerar ciertos elementos o rasgos en ellos para hacerlos distintivos y únicos. De hecho, suelen atraer más la atención aquellos personajes que tienen características más llamativas.
Por ejemplo, puedes darle a tu personaje piernas más largas o caderas más anchas. Quizás una nariz más prolongada o un cabello bastante llamativo. También puedes jugar no solo con un rasgo distintivo sino con el cuerpo entero de tus personajes. Puedes hacer un personaje delgado y alargado o por el contrario, extremadamente robusto. De igual manera puedes exagerar sus expresiones en determinadas situaciones: dibuja una sonrisa prominente cuando estén contentos o una expresión somnolienta cuando estén cansados.
Aprende a Improvisar
Con suficiente práctica podrás realizar el dibujo de caricaturas y figuras con tan solo dar un vistazo rápido a unas cuentas referencias o incluso usando únicamente tu imaginación. Con esto no queremos decir que usar referencias esté mal. Por el contrario, usar referencias es una excelente manera de aprender a dibujar al inicio. Incluso artistas profesionales y estudios de gran calibre como Disney o Pixar usan referencias durante el desarrollo de su trabajo.
Pero puede que estés en una situación donde no tienes más recursos o referencias a la mano. Esto no debe ser un impedimento para poder realizar tu trabajo, así que es necesario que sepas improvisar en dicho caso. Por otro lado, si logras conseguir un trabajo como artista de storyboard o diseñador de personajes, seguramente tendrás que producir una gran cantidad de bocetos y dibujos. No siempre tendrás el tiempo para ponerte a buscar referencias, más si trabajas en una serie animada, ya que el proceso de producción necesita cumplir con tiempos estrictos y fechas de entrega.
Recursos Gratuitos para Aprender a Dibujar Manga / Anime
Si hablamos de animación, debemos entender que este es un arte que trasciende fronteras e incluso forma parte importante en la industria de muchos países hoy en día. Tal es el caso en Japón, donde la animación ha evolucionado de una forma muy característica y forma parte del estilo de vida de sus habitantes. Además, a diferencia del resto del mundo, Japón tiene su propio término para referirse a su animación: anime.
Sin importar si es realizada mediante técnicas tradicionales o por medios digitales, si la animación es originaria de Japón entonces se considera anime. Y así como la animación tiene su propio término en particular, una novela gráfica o cómic que es originario de Japón se conocen con el nombre de manga. Aquí, te compartiremos una lista de recursos para aprender a dibujar manga, siguiendo el estilo tan característico del arte japonés.
Guía para Aprender a Dibujar Manga en Practicarte
Tal como su nombre lo explica, esta es una guía bastante completa que cubre muchos aspectos importantes de lo que se necesita para aprender a dibujar manga: desde los materiales más recomendados así como técnicas para aprender a dibujar y a la vez desarrollar tu propio estilo.
Lo mejor de todo es que al ser una guía paso a paso, podrás entender desde los fundamentos básicos, tales como el manejo de líneas y formas. Por otro lado, también incluye referencias detalladas acerca de cómo dibujar los ojos, los cuales son un elemento muy importante al dibujar manga. Lo mismo con todos los distintos tipos de narices, bocas, orejas y estilos de cabello.
Consejos para el Dibujo de Anime y Manga
Aquí se presenta una guía muy sencilla, directa y fácil de entender para iniciar tu camino artístico enfocado al estilo japonés. También se listan algunos materiales básicos para comenzar a dibujar y crear tus propios personajes de manga, con diversas referencias y guías que te pueden servir de ejemplo.
También se muestran algunos ejemplos paso a paso de como ir desde un boceto general hasta un dibujo detallado e incluso como manejar distintas perspectivas. Finalmente, aunque a la hora de dibujar manga es común utilizar escala de grises y mantenerlo en blanco y negro, también se dan consejos para aprender sobre aplicación de color en tus ilustraciones.
Video Tutoriales de MangaNull
Aquí tenemos un sitio con bastantes tutoriales respecto al dibujo en estilo manga, sin embargo, se distingue de los demás en esta lista puesto que se trata de un canal de YouTube. Sin embargo, esto puede resultar más útil para todos aquellos que necesiten de materiales más visuales a la hora de aprender. Además estos video tutoriales tienen la ventaja de que muestran en tiempo real los pasos necesarios para aprender a dibujar manga y que en caso de ser necesario, puedes pausarlos para ir a tu propio ritmo.
Aquí se explican desde temas generales respecto al dibujo de figuras, proporciones y anatomía hasta puntos más específicos tales como el dibujo de ojos, narices, manos, peinados y expresiones faciales. Incluso se abordan temas respecto a cómo dibujar la ropa de tus personajes de manera realista.
Si te interesa conocer más al respecto, puedes seguir leyendo nuestra nota completa haciendo click aquí.
Consejos para Armar un Portafolio de Ilustración
Tener un buen portafolio artístico es indispensable para abrirte camino en la industria creativa. Ya sea que busques un trabajo como ilustrador, animador, artista de storyboard o concept art no basta con tener creatividad y talento: debes saber presentar tu trabajo de manera atractiva y saberte vender.
Organiza y Edita tu Portafolio de Ilustración
Aún si eres extremadamente talentoso a la hora de realizar tus obras, para tener un buen portafolio de ilustración necesitas también saber cómo comunicar y dar a entender tu trabajo. No se trata únicamente de seleccionar tus mejores ilustraciones y juntarlas en un mismo documento. Esto no solo vuelve más difícil de leer tu portafolio, sino que además puede verse poco profesional de tu parte.
Es por ello que se recomienda dar una estructura a tu trabajo, de modo que sea coherente y legible. Imagina que tu portafolio de ilustración es como una presentación formal de tu trabajo: requiere de una introducción, un orden, textos e imágenes. Además piensa en maneras de como hacer que luzca más creativo, jugando con distintos tipos de colores o tipografías pero sin llegar a saturarlo demasiado.
Encuentra el Enfoque de tu Trabajo Creativo
¿A qué clase de estudio te gustaría aplicar? ¿Dónde desearías trabajar? La ilustración puede tomar muchas vertientes diferentes: ilustración infantil, editorial, animación, arte conceptual, cómics, publicidad y más. Y lo cierto es que cada una de estas vertientes requiere de un tipo de trabajo en específico. También debes considerar cuales serán las técnicas en las que te especialices: ilustración digital o tradicional, bolígrafo, carboncillo, acuarelas, etc.
Por supuesto que puedes tener versatilidad y trabajar en distintas áreas mediante diversas técnicas. Pero siempre debes encontrar cual será el enfoque que desees resaltar en tu trabajo. Cabe mencionar que hoy en día casi todos los estudios trabajan de manera digital. Por lo tanto, es recomendable mostrar que eres capaz de utilizar tabletas gráficas y programas de ilustración.
Selecciona tus Mejores Obras
Como regla general, considera que tu portafolio de ilustración no debería tener más de 10 o 12 páginas. Puede que tener 15 páginas pueda ser aceptable en algunos casos, pero puedes dar la impresión de que solamente incluiste todos tus trabajos a la vez en lugar de seleccionar tus mejores obras. Debes demostrar tus habilidades a través de tus mejores trabajos, no saturar tu portafolio con demasiadas piezas que parezcan simplemente relleno. Recuerda que vale más un portafolio con 5 trabajos excepcionales que uno con 20 piezas regulares o mediocres.
Recuerda que un reclutador se toma tan solo unos segundos para ver un portafolio antes de decidir si seguir viéndolo o pasar al siguiente. Si deseas captar su atención, asegúrate de incluir tus mejores trabajos desde el inicio. Si no logras engancharlos en los primeros instantes, es probable que dejen tu portafolio a un lado.
Muestra tu Proceso Creativo
Es cierto que debes exhibir solo lo mejor de tu trabajo y no excederte con todas las piezas que deseas incluir. Pero también debes saber mostrar el proceso creativo detrás de tu trabajo: desde el boceto original y la elección de colores hasta la obra terminada.
El demostrar que entiendes el proceso detrás de una obra creativa es una gran ventaja que quieres denotar en tu portafolio de ilustración. Esto también resulta útil para demostrar tu estilo personal y flujo de trabajo. Recuerda que tu portafolio representa no solo tus habilidades como ilustrador sino también tu personalidad y forma de ser como artista.
Ten tu Portafolio de Ilustración Online
Hoy en día resulta indispensable poder mostrar tu trabajo en línea y para ello existen diversas opciones. Quizás la mejor de ellas sea tener tu portafolio de ilustración en tu propio sitio web personalizado. No obstante, también puedes publicar tu portafolio en sitios como Behance, PortfolioBox e incluso Artstation.
También se recomienda que tengas un perfil profesional en LinkedIn y por supuesto, que a su vez incluyas ahí mismo un enlace a tu portafolio o demo reel. También puedes presentar tu trabajo por medio de redes sociales como Instagram, Pinterest, Tumblr o Facebook, ya que incluso son plataformas ampliamente utilizadas por reclutadores en la industria.
Tabletas Gráficas para Dibujo y Arte Digital
Si trabajas en la industria creativa o te interesa formar parte de ella, muy probablemente estés familiarizado con las tabletas gráficas. Siendo que la mayoría de las producciones se llevan a cabo de manera digital hoy en día, estas herramientas se han vuelto bastante útiles para toda clase de artistas. Ya sea en el área de animación, ilustración, diseño, cómics o videojuegos, el contar con una tableta gráfica puede ayudar a volver tu trabajo más rápido y eficiente.
Por supuesto, esto no significa que un trabajo hecho mediante el uso de tabletas gráficas sea mejor que uno realizado con técnicas tradicionales. Esto depende más bien del nivel de habilidad y creatividad de cada artista. No obstante, resultan innegables las diversas ventajas que ofrece el uso de las tabletas gráficas.
Sin embargo, debes tener en cuenta que una tableta gráfica es una inversión considerablemente más costosa que un cuaderno de dibujo y tintas. Afortunadamente, existen una gran variedad de modelos y marcas que ofrecen distintas opciones para todos los artistas dependiendo de su presupuesto y nivel de experiencia.
Hay desde tabletas gráficas sencillas hasta aquellas que cuentan con pantalla integrada o su propio sistema operativo. A continuación se presenta una guía que puede ayudarte a decidir cuál es la mejor opción para ti.
Tipos de Tabletas Gráficas
Tabletas Gráficas sin Pantalla
Estas tabletas gráficas son las más sencillas e ideales para quienes comienzan a usarlas y no cuentan con mucho presupuesto. Simplemente las conectas al ordenador mediante un cable usb o conexión inalámbrica y la pantalla se ajusta automáticamente al tamaño de la tableta. De modo que si posicionas la pluma en una esquina de la tableta, sería como si pasaras el mouse por el mismo sitio en la pantalla.
La única desventaja es que puede resultar difícil acostumbrarse a mover tu mano sobre la tableta pero mantener tus ojos sobre la pantalla. Por otro lado, esto te puede ayudar a mejorar tu coordinación a largo plazo. A pesar de ser los modelos más sencillos destinados para principiantes, también hay tabletas gráficas sin pantalla con una gran cantidad de funciones y aditamentos para profesionales.
A su vez, debes considerar otras variables: por ejemplo, pueden requerir una conexión eléctrica o por medio de entrada usb para poder funcionar. También existen tabletas gráficas sin pantalla que además son inalámbricas, pero que en ese caso requieren de pilas o baterías externas.
Tabletas con Pantalla
Su manera de conectarse e interactuar con la pantalla del ordenador es prácticamente igual que el caso anterior. La diferencia es que al contar con una pantalla integrada puedes mantener la vista fija mientras dibujas en la tableta. Por esta misma razón, también suelen ser más caras.
Son especialmente recomendadas para aquellos que ya tienen más experiencia en el uso de tabletas, como animadores o artistas de ilustración digital. Al igual que su contraparte sin pantalla, las hay con una gran variedad de opciones: desde fuente de alimentación y niveles de presión hasta teclas de funciones rápidas. Por supuesto, el tamaño de la pantalla integrada en la tableta es una de las variantes más importantes.
Tabletas gráficas con pantalla y sistema operativo
Al igual que el ejemplo anterior cuentan con pantalla propia, sin embargo, no necesitan conectarse a ningún ordenador. Al tener su propio sistema operativo integrado, ya sea Windows, iOS o Android, estas tabletas gráficas pueden utilizar programas como Photoshop o Corel Painter. Todo esto hace que sean las más caras en el mercado. Además de este tipo de tabletas, también existen laptops con pantalla táctil y plumas digitales, tales como Microsoft Surface Pro o el iPad Pro.
¿Cuál de todas es la mejor opción para ti? Obviamente cada modelo tiene sus ventajas pero no por tener una tableta sin pantalla significa que no puedas dibujar al mismo nivel que alguien con una tableta con pantalla y sistema operativo integrado. Todo es cuestión de llevar tu creatividad al siguiente nivel y practicar constantemente para mejorar tus habilidades.
De manera general, la recomendación es que los artistas principiantes empiecen por usar una tableta sin pantalla. Existen diversos modelos con una gran relación calidad-precio que puedes elegir para comenzar por buen camino. Por otro lado, si ya posees más experiencia y cuentas con un mayor presupuesto, la mejor opción sería optar por una tableta con pantalla.
Elementos a Considerar para Elegir una Tableta
El hecho de que una tableta gráfica tenga o no pantalla es tan solo una de las variantes que debes considerar. Dependiendo del uso que vayas a dar a tu tableta y cuales sean tus necesidades creativas, debes tener en cuenta otros factores como: nivel de presión, área de acción, resolución y funciones.
Niveles de sensibilidad y presión
Quizás este sea uno de los factores más importantes a la hora de elegir una tableta gráfica. Dependiendo del nivel de sensibilidad es que podrás realizar trazos más finos y delgados, obteniendo una mayor calidad y detalle en cada uno de ellos. Por esta razón, si trabajas en ilustración, animación o retoque te conviene elegir una tableta que cuenta con un adecuado nivel de sensibilidad.
La presión a su vez determina las tonalidades del trazo así como su saturación. Imagina que fuera como al usar un lápiz y poder hacer líneas muy gruesas o delgadas, claras u oscuras. La mayoría de tabletas gráficas en el mercado cuentan con 2,048 puntos de presión, lo cual es más que suficiente para un artista digital.
Aún así, existen modelos con niveles de sensibilidad y presión mucho más altos. No obstante, la realidad es que llega un punto donde es casi imposible de distinguir la diferencia.
Resolución
Este dato representa cuántas líneas puedes dibujar por pulgada. Esto se relaciona con el punto anterior en que también determina la calidad y nivel de detalle en una tableta gráfica. Mientras más líneas puedas dibujar en cada pulgada, el nivel de precisión y realismo en tus dibujos será mucho mayor.
La mayoría de las tabletas gráficas manejan una resolución de entre 2,540 a 5,080 líneas por pulgada. Cualquier resolución dentro de estos dos extremos resulta aceptable para un artista digital.
Tamaño y área activa
El tamaño ideal para una tableta depende básicamente de las preferencias y necesidades de cada artista. Por supuesto, mientras más grande sea tendrás una mayor área de dibujo pero tu tableta también ocupará un mayor espacio. Por esta razón debes considerar lo siguiente:
El espacio donde vayas a colocar tu tableta, ¿qué tan amplio es?
El tipo de trabajo que realizas, ¿requiere diseños sencillos o necesitas dibujar cuadros a gran escala?
Donde vas a usar tu tableta, ¿se puede quedar en tu casa u oficina? ¿Tienes que transportarla y llevarla contigo?
La mayoría de las tabletas gráficas están disponibles en tamaños que van desde los 12×15 cm hasta los 25×15 cm. Por supuesto, también las hay tanto más pequeñas como más grandes. También debes considerar que mientras más grande sea tu tableta, más tendrás que mover tu brazo al dibujar y por ende, puedes cansarte más al trabajar.
Funciones avanzadas
Dependiendo de la tableta que elijas, puede que tengan teclas para programas funciones rápidas. Estos pueden estar en el lápiz óptico o en la misma tableta. Naturalmente, mientras más grande y costosa sea la tableta, más botones y opciones tendrás a tu disposición.
Algunas de las funciones más comunes suelen ser clic izquierdo y derecho, controlar el nivel de zoom y tamaño del pincel, rotar el lienzo o programar atajos para funciones que usas frecuentemente. Todo esto no es un factor decisivo a la hora de elegir una tableta gráfica. Sin embargo, son detalles que pueden ofrecer mayor comodidad, eficiencia y productividad en tu trabajo.
Además de los botones, puede que la tableta tenga funciones avanzadas al poseer una pantalla de uso táctil. De esta manera puedes controlar el zoom o rotación del canvas con tus dedos. Otra función avanzada es la de reconocer la inclinación del lápiz óptico para tener un mayor control sobre el grosor y estilo de los trazos.
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