Con ésta guía de principiantes busco dar una idea general de los procesos de producción más comunes dejando de lado detalles específicos de industrias o de áreas de especialización, es decir: una guía simple del proceso de animación 3D.
¿Porque una guía para principiantes en animación?
La animación 3D es una industria muy dinámica. Tanto para artistas novatos como para veteranos es igualmente obligatorio estar al día en las nuevas tecnologías, las nuevas herramientas y los nuevos procesos ya que todos ellos impactan directamente en el trabajo del día a día. Pero si vas empezando en la industria ¿Cómo puedes estar al día si tal vez no conoces dichos procesos que conforman la animación 3D?
Antes de comenzar me gustaría definir las 3 grandes partes que conforman la ejecución de un proyecto animado:
- Preproducción, en general todo lo que va antes del 3D, incluída la organización del proyecto.
- Producción, es la ejecución de los procesos 3D.
- Postproducción, los procesos que mejoran el resultado.
el pipeline se refiere a la conexión entre los procesos de la producción
Que proceso va dentro de que área podría variar dependiendo de las necesidades del proyecto. Lo importante es tener una idea de su lógica ya que esto es la base que define el flujo de trabajo conocido en la industria como: el pipeline.
La Preproducción
Conlleva toda la parte ANTES de sentarse enfrente de un software 3D y modelar, animar, etc. Esta es muy importante porque dicta las bases y el alcance del proyecto. La preproducción va desde el desarrollo de guión, storyboard, animatic, concept art hasta la misma organización y el tiempo de producción estimado.
¿Que busca la preproducción? Definir las reglas del juego ANTES de que éste empiece.
Algunas de las preguntas que responde una buena preproducción ¿Que van a hacer los personajes? ¿Cuántos personajes y escenarios necesito producir? ¿Que van a decir los personajes? ¿Cómo se van a ver los personajes? ¿Cuánto tiempo me va a llevar producir todo mi proyecto? ¿Cuántos artistas necesito y de qué áreas?
Conoce más: el proceso de storyboarding
La Producción en 3D
Una vez que se define un plan de trabajo se dan las asignaciones. El modelado es el primer paso de ésta fase.
¿Qué es el modelado?
Es el proceso de “esculpir” en el programa 3D los personajes, objetos y/o escenarios que serán usados durante el proyecto. Hay diversas cuestiones importantes en éste proceso como pose T, loops de deformación, unwrapping, poly count, etc pero el reto principal es que la escultura 3D sea similar al arte conceptual generado en la preproducción. Casi todos los programas 3D permiten modelar pero algunos de ellos se caracterizan por estar especializados para ello.
ejemplo de modelo 3D y su texturizado
¿Qué es el Look Development? – Texturizado y Shading
Una vez que el modelo está terminado hay que pintarlo. A ésto se le conoce como Texturizado. Como lo fue el modelado, éste proceso se caracteriza por ser también muy artístico. Pero, ¿cómo una imagen 2D puede pintar un objeto 3D? El unwrap es el secreto. Piensa en la piel de un animal que fue cazado: cuando el cazador procede a hacer un tapete con la piel del animal hace cortes específicos a lo largo de todo el cuerpo para “extenderla”. Esto es el unwrapping. Es con el mismo principio que el artista genera ese “tapete” digital y posteriormente lo lleva a algún programa de edición de imágenes (p.ej. Photoshop) y pinta las texturas.
shading es como los materiales responden a la luz
Cuando el artista termina las texturas y las aplica en los modelos 3D inmediatamente notará algo raro: no se ven igual que en la vida real. ¿Cómo lograr que mi modelo 3D de piedra y su textura se vean como una piedra? Shading es el proceso de asignar materiales a los objetos y sus texturas. Básicamente es decirle al programa de 3D que el objeto que es una piedra refleje la luz como una piedra, el objeto que es un dulce refleje la luz como un dulce, que la cera se vea como cera, plástico, metal, agua, etc. Incluso se puede hacer que todos los objetos 3D se vean como caricatura 2D.
Rigging – El Titiritero
Rigging es un proceso altamente técnico pero muy necesario ya que sin él no habría animación. Me gusta pensar en el rigging como el trabajo de un titiritero: se colocan huesos, se hacen controladores y todo se conecta para permitirle al animador controlar y mover al personaje de una manera convincente. El rigging tiene una larga curva de aprendizaje, por suerte para muchos, el mercado ofrece opciones que automatizan varias etapas de éste proceso.
Layout y Animación
Layout es el hermano mayor de la animación y por desgracia muchas veces es ignorado. Este proceso es tomar cada una de las secuencias del storyboard (o animatic) y en una escena 3D juntar todos los elementos necesario para reproducir dichas secuencias. El layout se asegura que: el escenario 3D está presente, la cámara enfoca hacia donde debe, la cámara se mueve como se indica y por último los personajes están en cuadro. Un buen layout eficientiza todos los procesos posteriores.
Ya tenemos al personaje con su esqueleto y el layout listo: es hora de animar. Timing, peso, staging y actuación son algunos de los términos que los animadores constantemente evalúan durante su proceso. La animación conlleva mucha observación de la locomoción tanto humana como animal y de las sutilezas en las expresiones y gestos faciales.
Iluminación
La iluminación en 3D es igual que la de un set de grabación live-action. Su importancia radica en su impacto para generar moods especificos en las secuencias ¿es tenebroso? ¿es cómico? ¿es triste? Cada situación necesitará una iluminación específica lo que ayudará al espectador a envolverse más en la historia.
la iluminación cambia dramáticamente el como se percibe un mismo escenario
El Render (renderizado)
Una vez que todas las secuencias fueron animadas e iluminadas es tiempo de sacarlas del programa 3D. A ésto se le conoce como render. La finalidad es tener un video de nuestra obra maestra animada para poderlo subir a Youtube o Vimeo y presumirlo al mundo. El método por excelencia es renderizar a secuencia de imágenes: cada cuadro (frame) de animación es una imágen y, una vez que se tiene toda la secuencia renderizada se crea el video. Formatos de imágenes abundan y cada uno tiene sus ventajas y desventajas. ¿Porque no renderizar directo a video? El principal problema del renderizado es que tiende a ser muy tardado, trabajar en secuencias de imágenes permiten que varias computadoras trabajen al mismo tiempo y si alguna computadora falla el video no se corromperá.
Es importante balancear y tomar decisiones visuales importantes para que nuestro renderizado no sea eterno. Como regla general entre mejor se vea, usualmente más tardado va a ser de renderizar.
La Postproducción
La Postproducción en general se considera a todos los procesos posteriores a la ejecución del 3D. Esta empieza comúnmente con la composición.
Composición y Edición
La composición se trabaja directamente sobre las secuencias de imágenes renderizadas (¿lo renderizaste a video? ¡Que valiente! Pero también es posible). Composición usualmente es el proceso donde se juntan los diferentes pases de renderizado (beauty, speculars, shadows, motion blur, etc), se dan los toques visuales finales y se da la corrección de color.
La edición, de ser necesario, se usa para hacer los últimos ajustes cinematográficos de tiempo o de orden secuencial para reforzar la historia. Sin embargo, es aquí principalmente donde se da la salida final en video a la pieza animada. Cada broadcaster requiere formatos y codificaciones específicas de video, es por eso que muchas veces se tienen que exportar varias versiones para diferentes finalidades.
El audio
¿Sabes que el audio equivale al 50% de la experiencia para disfrutar tu pieza animada? ¿No lo crees? Intenta ver una pelicula de terror sin audio.
El audio es un proceso paralelo que corre a lo largo de todo el proceso de producción y de postproducción. Para el objetivo de ésta guía aquí podemos englobar: los diálogos de los personajes (necesarios ANTES de empezar a animar), la banda sonora que incrementará el mood y dará cadencia a la edición y los efectos de audio (los pasos, la fogata, aves).
Nosotros como animadores tendemos a pensar y resolver todo de una manera muy visual, pero el audio es un aliado muy poderoso. Imagina ésto: tu corto se sitúa en un bosque ¿tendrás de que crear assets 3D de animales y animarlos para que el bosque se vea vivo? Si usas efecto de sonido de aves, arbustos, vida salvaje, etc podrías dar la sensación de “vida” sin tener que específicamente mostrar ninguno de esos elementos.
Conclusión
Hacer una animación 3D es un proceso laborioso y complejo que conlleva el trabajo de áreas y habilidades específicas. Esto no quiere decir que es imposible para una sola persona hacer su propia obra animada, simplemente será más tardado. Es por eso que los estudios de animación tienen equipos de artistas que trabajan al unisón bajo la supervisión de un equipo de líderes y de productores.
