A pesar de ser un arte de origen relativamente reciente, lo cierto es que la animación ha crecido de manera increíble en los últimos 100 años. Desde producciones sencillas con apenas unos minutos de duración hasta películas de gran calidad que superan el billón de dólares en taquillas, no hay duda de que la animación está aquí para quedarse. Pero quizás te preguntes, ¿Qué es la animación? ¿Cuál es la historia detrás de esta disciplina artística? ¿Cómo puedo iniciar en la animación y darme a conocer en la industria?
Es por ello que hemos recopilado distintas notas e información relevante sobre cómo iniciar en la animación: desde las distintas técnicas que existen y los 12 principios de la animación hasta algunos de los programas de animación más recomendados en el mercado.
También se dan consejos para elaborar un buen currículum y demo reel para así captar la atención de los reclutadores a la hora de aplicar para una vacante laboral. Con todo esto, puede que al menos te quede un poco más claro cómo iniciar en la animación.
¿QUÉ ES LA ANIMACIÓN?
Para aprender cómo iniciar en la animación primero tenemos que entender en qué consiste esta disciplina artística. Podríamos definir la animación meramente como “un método mediante el cual dibujos, figuras y modelos son creados, fotografiados y manipulados para aparentar estar en movimiento”. Sin embargo, lo cierto es que se necesita entrar más en detalle para conocer las distintas técnicas y tipos de animación que existen. Por ejemplo, lo que en un principio se menciona como “figuras” puede ser en realidad desde dibujos y marionetas hasta pixeles y vectores. Por otro lado, la ilusión de movimiento que poseen es lograda gracias a la rápida secuencia de imágenes o “cuadros por segundo”, con lo cual se engaña al ojo humano.
Habiendo dicho esto, más que intentar hallar una sola definición para el arte de la animación, a continuación te explicamos más a detalle las 5 categorías que componen esta disciplina artística.
Animación Tradicional
La animación tradicional no es sino aquella que es elaborada cuadro por cuadro por un dibujo en una hoja de papel. El movimiento es creado a través de múltiples dibujos en diferentes hojas, que al verlas en secuencia, dan al ojo humano la percepción de movimiento. En el proceso tradicional, todos los elementos son creados por separado y una vez listos, cada uno es fotocopiado o calcado en hojas de acetato transparentes para así proceder a aplicarles color. Posteriormente todos los acetatos son montados uno sobre otro para crear un “cuadro”, de ahí que este tipo de animación también se le conoce por el nombre de “cuadro por cuadro”.
Este es el método de animación más popular de antaño, pues fue gracias a el que grandes producciones clásicas hicieron su debut en el cine y la televisión, ayudando a impulsar el arte de la animación a través de los años. Por supuesto, este es también uno de los métodos más complicados y que involucra distintos procesos manuales. Debido al gran tiempo que requiere realizar una película de animación tradicional, se requiere también del trabajo de cientos de artistas dibujando constantemente.
Aunque por supuesto, a lo largo de los años este proceso se ha facilitado gracias a distintas herramientas e innovaciones tecnológicas. No obstante, aún con la ayuda de los métodos digitales, la animación tradicional sigue siendo costosa y tardada. Como ejemplo de ello tenemos la película de Klaus, la cual fue realizada mediante animación 2D tradicional pero que durante su producción contó también con procesos digitales.
Stop Motion
Este es también uno de los métodos más complicados de animación, pues requiere demasiados esfuerzos técnicos y artísticos durante su producción. La animación stop motion se refiere a la captura de movimiento cuadro a cuadro pero de elementos físicos: ya que se usan marionetas en vez de dibujos. Estas son manipuladas, de modo que cada movimiento o expresión es capturado mediante cámaras fotográficas para así obtener los distintos cuadros que componen la animación. Finalmente, al juntar todas las fotografías en secuencia se obtiene una animación en stop motion.
Debido a la gran complejidad que requiere este tipo de animación, cada vez es más raro encontrar nuevas películas o series animadas mediante stop motion. No obstante, tampoco se podría decir que ha quedado olvidado por completo, ya que aún existen algunas producciones como Chicken Run 2 o Pinocho que habrán de salir próximamente y están siendo producidas mediante stop motion.
Animación 2D
Si bien la animación tradicional siempre se cataloga como 2D, la animación 2D no siempre es producida mediante técnicas tradicionales. Por el contrario, hoy en día la animación 2D es producida mediante programas y herramientas digitales. Es mediante estas nuevas funciones e innovaciones que se crea la ilusión de movimiento: ya no tienes que animar cuadro por cuadro, sino únicamente poner un punto de inicio y un punto de finalización, el programa de animación se hace cargo del resto. A esto se le conoce como tweening.
La gran diversidad de programas de animación 2D disponibles así como la facilidad con la que te permiten realizar tus propias animaciones llevó a la proliferación de esta técnica. Hoy en día es común verla en todos lados, desde videos en Youtube hechos por aficionados hasta cortometrajes estudiantiles y grandes películas de talla internacional. La animación 2D digital es también empleada frecuentemente en toda clase de series para televisión.
Si quieres conocer más sobre la animación 2D, te recomendamos leer todo nuestro artículo al respecto haciendo clic aquí.
Animación 3D
Esta es probablemente la técnica de animación más popular y exitosa de la actualidad, pues la gran mayoría de las películas producidas hoy en día son mediante ella. De las 20 películas animadas más taquilleras de la historia, 19 de ellas pertenecen al género de animación 3D. Esta técnica es creada con la ayuda de una computadora, donde se crean toda clase de personajes, escenarios, modelos y elementos digitales en 3D. Estos son posteriormente manipulados digitalmente a través de programas de animación 3D.
Esto quiere decir que volvemos al uso del tweening mencionado en la animación 2D, pero ahora no solamente se tendrá que mover un objeto hacia arriba, abajo o a los lados, sino también con un tema de profundidad. Esta técnica de animación es empleada hoy en día en una gran cantidad de películas, series y videojuegos.
CÓMO INICIAR EN LA ANIMACIÓN: LOS 12 PRINCIPIOS
Los 12 principios de la Animación son un conjunto de prácticas recolectadas por los animadores Frank Thomas y Ollie Johnston las cuales fueron presentadas en su libro The Illusion Of Life. Escrito en 1981, este libro ha trascendido en el tiempo ya que sigue siendo considerado una biblia entre los artistas de la industria y todos aquellos que desean conocer cómo iniciar en la animación. Este es el recuento de los descubrimientos y la evolución que vivieron los animadores de los estudios Disney desde la década de 1930 en su afán por perfeccionar la técnica y lograr animaciones más realistas y convincentes.
¿Por qué son importantes? Desde los inicios de la era dorada, los animadores de Disney mantuvieron una búsqueda continua para mejorar la producción de sus dibujos y la misma animación. Empezaron a desarrollar técnicas que después fueron perfeccionado para convertirse en procesos, y que a su vez, las fueron transmitiendo a los nuevos artistas. Dentro de los estudios Disney dichos procesos se convirtieron en las “herramientas del oficio”.
Al día de hoy, los 12 principios de la animación se han convertido en indispensables. Resulta una obligación el poder entenderlos y dominarlos para cualquiera que busque aprender cómo iniciar en la animación. Y aunque estos principios fueron concebidos originalmente para la animación tradicional, lo cierto es que también aplican para cualquiera de las otras técnicas.
1. Estirar y Encoger (squash and stretch)
Este es considerado como uno de los 12 principios de la animación más importantes. Conocido popularmente como squash and stretch (estirar y encoger), se refiere a deformar una forma o un volumen con el fin de dar la sensación de peso y elasticidad. El ejemplo clásico para visualizarlo es una pelota que rebota (bouncing ball): así podemos ver la acción de estirar dicha pelota mientras vuela y posteriormente encogerla al golpear en el piso.
2. Anticipación
Se refiere a una acción que prepara al espectador para entender la subsecuente acción principal. Es decir, es hacer que el espectador prevea la acción principal antes de que ésta suceda. La anticipación surgió cuando se detectó que los espectadores no entendían ciertas secuencias animadas. De modo que para evitar esto, se descubrió que era necesario planear las secuencias de tal manera que el espectador al ver un cierto movimiento de anticipación comprendiera toda la acción. El ejemplo clásico es la pose de anticipación de un pitcher justo antes de lanzar la bola con la pierna levantada y la bola en el guante.
3. Puesta en Escena (staging)
Seguimos con el tercero de los 12 principios de la animación. La puesta en escena (o staging) tiene sus fundamentos en el teatro y se refiere a comunicar eficientemente a la audiencia una acción que debe ser vista, un sentimiento que debe ser sentido, una personalidad que debe ser reconocida, etc.
La puesta en escena siempre debe servir al desarrollo y avance de la historia que se está contando.
4. Animación Directa o Pose a Pose (straight ahead and pose to pose)
Los animadores tienen dos métodos principales para producir sus secuencias animadas: Animación directa y pose a pose.
Animación Directa (straight ahead): Como su nombre lo indica, la animación directa se refiere a cuando un animador recibe el brief de lo que deberá contener su secuencia y posteriormente hace sus dibujos uno tras otro hasta finalizarla. No hay una planeación sino una continua improvisación en los dibujos para las poses y las acciones.
Pose a pose (pose to pose): Pose a Pose, el segundo método, se basa en la planeación de la secuencia. En ella se establecen todas las acciones y las poses clave necesarias antes de iniciar. Originalmente durante la producción de animación tradicional, una vez que todos los dibujos claves eran hechos, fácilmente se podía delegar el trabajo de inbetweening a un asistente.
5. Acción complementaria (follow through) y acción superpuesta (overlapping action)
Bajo la necesidad de no perder la ilusión de vida cuando un personaje se detiene por completo, los animadores en Disney descubrieron las técnicas de acción complementaria y superpuesta, las cuales están estrechamente ligadas entre sí.
Acción complementaria (follow through) está relacionado principalmente a partes extras al cuerpo que lo van siguiendo y aún cuando el primero entre a un alto total, dichas partes se siguen moviendo debido a la inercia que llevan respondiendo directamente a la velocidad, a su masa y su volumen. Por ejemplo, una capa, una falda, pelo largo, etc.
Acción superpuesta (overlapping action) se refiere al desfase del movimiento entre distintas partes del cuerpo (o incluso objetos ajenos a él). Por ejemplo en un ciclo de caminado el brazo se mueve hacia adelante, seguido por el antebrazo y por último la mano. Si la mano va agarrando un bolso, el bolso será el último objeto en avanzar.
6. Acelerar y Desacelerar (ease in and ease out)
Seguimos con el sexto de los 12 principios de la animación. Es la técnica que controla la rapidez o lentitud con la que los personajes llegan de una pose clave a la otra. Esta técnica se controla en base a la distribución y concentración de los dibujos en relación al tiempo. En general a menos dibujos más rápido es un movimiento, si hay más dibujos más lento será la misma acción.
7. Arcos
Al inicio de la animación se desconocía el concepto del movimiento en arcos por lo que las animaciones tendían a verse rígidas y sin gracia. El descubrimiento y la comprensión de este principio dio a la técnica de animación un mayor realismo, ya que prácticamente todo se mueve en arcos.
8. Acción Secundaria (Secondary Action)
Se refiere a una acción subordinada o subsecuente que da soporte a una acción primaria. Una acción secundaria ayudará a enfatizar la acción del personaje dando más vida a la escena. Ellas pueden ser animaciones corporales o faciales, lo importante es que no compitan o desvíen la atención de la acción principal.
9. Timing
Se refiere a la relación entre la cantidad de dibujos de una acción y el tiempo que dicha acción tomará. El timing define el sentido de una secuencia, ya que cada cuadro intermedio (inbetween) cambia la percepción de ella. Una pelota que cae de una misma distancia, si su timing es de 4 cuadros parecerá una bola de boliche; si cae durante 12 cuadros parecerá hecha de poliestireno.
10. Exageración
Se refiere a la distorsión de los personajes en ciertas poses o acciones. Su uso normalmente se da para ayudar a romper la simplicidad y monotonía de un movimiento y hacerlo más atractivo, cómico o incluso perturbador. La exageración suele reducir el nivel de realismo en la animación.
11. Dibujo Sólido
Aplica principalmente para la animación tradicional y se refiere a la habilidad técnica para dibujar que requieren tener todos los animadores.
“Debes aprender a dibujar lo mejor posible antes de empezar a animar. Entre mejor dibujes, más fácil la pasarás”. – Grim Natwick, caricaturista y animador americano.
12. Atractivo (Appeal)
Se define como todo aquello que a una persona le gusta ver, como un diseño con atractivo y simplicidad. A todos nos llama la atención las cosas atractivas, ya sean formas, personajes, expresiones, movimientos o escenas.
20 PROGRAMAS DE ANIMACIÓN 2D: GRATIS Y DE PAGA
Ya anteriormente te hablamos sobre la animación 2D y como el uso de programas y herramientas digitales ha facilitado su proceso de producción. Pero lo cierto es que hoy en día existen una gran diversidad de opciones disponibles: desde programas gratuitos para principiantes y entusiastas hasta aquellos que van dirigidos para profesionales de la industria.
En un intento por facilitar la decisión de cualquiera que busque aprender cómo iniciar en la animación, aquí se listan distintos programas especializados en animación 2D. Estos se ordenan por orden alfabético y catalogados en base a si son de uso gratuito o su licencia tiene algún costo.
Programas de Animación Gratuitos
Animation Paper: Creado por el animador Niels Krogh Mortensen, Animation Paper es un software de animación 2D que actualmente está en desarrollo. Mientras la nueva versión llega el predecesor Plastic Animation Paper puede ser usado gratuitamente en computadoras con sistema operativo Windows.
OpenToonz: Toonz posee herramientas diseñadas para facilitar la producción de proyectos animados tradicionales o digitales. Por ejemplo, es capaz de digitalizar dibujos análogos, pintar y modificar secuencias completas así como agregar efectos visuales como blurs, rayos, iluminación y máscaras. Todo esto ha hecho que sea el programa utilizado por Studio Ghibli para llevar a cabo sus diversas producciones. Sin embargo, también existe una versión gratuita y disponible para todos, llamada OpenToonz: disponible tanto para Windows como macOS.
Pencil 2D: Es un programa de animación 2D de uso gratuito y código libre. La versión original de este programa fue lanzada allá por 2005, sin embargo, fue descontinuada poco tiempo después. No obstante, diversos desarrolladores continuaron trabajando en el proyecto de manera independiente, dando origen a lo que hoy en día es la versión gratuita de Pencil 2D: disponible tanto para Windows como macOS y Linux.
Sketchbook: Un programa del gigante Autodesk que aunque está enfocado en el bocetaje y la ilustración cuenta con una herramienta de flipbook sencilla pero bastante completa que incluye keyframes y una línea de tiempo. De esta manera podrás darle movimiento y vida a una imagen, crear presentaciones y logos más dinámicos así como crear prototipos animados. Este programa se encuentra disponible para computadoras de escritorio Windows y macOS e inclusive dispositivos móviles con Android y iOS.
Synfig Studio: Es un software open-source concebido como una poderosa solución para proyectos de animación con calidad de largometraje por medio del uso de bitmaps y vectores. Synfig Studio elimina la necesidad de crear animaciones cuadro a cuadro y se caracteriza por contar con herramientas y funciones para llevar a cabo proyectos animados de inicio a fin. Está disponible de manera gratuita tanto para Windows como mac OSX y Linux.
TupiTube: Desarrollado por el estudio colombiano MaeFloresta, TupiTube es un programa de animación 2D dirigido a todas aquellos niños, adolescentes o entusiastas que quieran aprender animación por lo que busca dar una herramienta sencilla de usar y que funcione en dispositivos móviles con el fin de facilitar el aprendizaje. Este programa se encuentra disponible para Microsoft Windows, macOS, Linux y dispositivos móviles.
Programas de Animación de Paga
After Effects: Desarrollado por Adobe Systems, este programa en realidad fue creado pensando en el desarrollo de motion graphics, efectos visuales y composición. Sin embargo, ha encontrado una fuerte base dentro de la animación especialmente para el estilo cut-out, aunque cada vez se añaden más funcionalidades a su repertorio por lo que se ha posicionado como una herramienta ideal independientemente del estilo de animación a utilizar. Se encuentra disponible para Windows y macOS. Para su uso se requiere de una licencia con renta mensual o renta anual (prepago de una exhibición o en mensualidades).
Plan mensual – 31.49 USD/mes
Plan anual con pagos mensuales – 20.99 USD/mes
Plan anual un solo pago – 239.88 USD/año
Animate: El programa de Adobe Animate es un bastante conocido en la industria de animación 2D al ser la evolución de Flash, pues Adobe decidió hacer un rebranding en 2015 para enfatizar el enfoque del programa hacia la animación de contenido y dejar la parte web detrás. Animate te permite diseñar animaciones vectoriales interactivas para videojuegos, aplicaciones y si, también para la web, donde sus herramientas de ilustración y animación te permitirán crear escenarios, pantallas de inicio e interfaces así como animar fácilmente a personajes y objetos. Se encuentra disponible para Windows y macOS. Para su uso se requiere de una licencia con renta mensual o renta anual (prepago de una exhibición o en mensualidades).
Plan mensual – 31.49 USD/mes
Plan anual con pagos mensuales – 20.99 USD/mes
Plan anual un solo pago – 239.88 USD/año
Cacani: Este programa incluye interesantes herramientas, entre las que se encuentran: el inbetweening asistido, un sistema propio de trazado de vectores, el pintado automático inteligente y herramientas para un fácil ajuste del timing, oclusión de segmentos y trazos así como exportado a After Effects manteniendo información de layers y frames. Actualmente está disponible únicamente para Windows y su licencia cuenta con dos modalidades.
Sencilla:
Perpetua – 499 USD
Renta 365 días – 180 USD
Renta 30 días – 20 USD
Team (una sola licencia con uso en varias computadoras):
Perpetua – 799 USD (precio por licencia, mínimo 4)
1 año – 399 USD (precio por licencia, mínimo 4)
Cartoon Animator: Cuenta con un interesante abanico de herramientas (algunas de las cuales se compran por separado) para hacer presentaciones 2D en vivo, dar movimiento a imágenes estáticas y crear fácilmente videos educacionales o presentaciones. Cuenta con captura facial en tiempo real, smart IK, fácil creación de caras en 360, soporte de resolución 4k y más. Este programa cuenta con distintos paquetes y precios dependiendo de tus necesidades:
Cartoon Animator PRO bundle – 149 USD
Cartoon Animator PRO + Facial Mocap – 229 USD
Cartoon Animator PRO + Head Creator – 249 USD
Cartoon Animator PRO + Pipeline – 299 USD
CelAction 2D: Cuenta con diversas características tales como manejo de miles de layers de animación, multiplanos, librerías de animación, efectos y curvas de función, soporte para modelos 3D, movimiento 3D de cámara, salida en estereoscopia y más. Cuenta con el opcional PlusOne Module el cual permite importar modelos 3D y trabajar con ellos en un ambiente 2D, este módulo también tiene incluye salida 3D estereoscópica. Existen 3 versiones del programa: Studio, Professional y Educational. A parte, se oferta el addon PlusOne exclusivo para la edición Professional el cual agrega la posibilidad de trabajar con modelos y escenarios 3D.
Studio Edition – 1,350 USD (Incluye el addon PlusOne)
Professional licencia perpetua – 949 USD
Professional con PlusOne addon – 1,599 USD
Educational – Tarifas especiales para escuelas acreditadas. Incluye el addon PlusOne
Character Animator CC: La fuerza de Character Animation viene de su sinergia con Adobe Illustrator y Adobe Photoshop. Los recursos se pueden crear en capas en cualquiera de estos dos programas y ser importados a Character Animator como una marioneta. Dicha marioneta puede ser animada por medio de diversos inputs tales como un teclado o un controlador MIDI así también las expresiones faciales pueden ser controladas en tiempo real con una webcam y un micrófono. Sin embargo, no está disponible como un stand-alone, únicamente se adquiere con el paquete completo de aplicaciones en el Creative Cloud. Con la migración de Adobe de sus softwares al Creative Cloud el licenciamiento es por pago de renta mensual o renta anual (prepago de una exhibición o en mensualidades).
Adobe Cloud renta mensual – $79.49 USD
Adobe Cloud contrato de renta anual pero con pagos mensuales -$ 52.99 USD
Adobe Cloud renta anual 1 sólo pago – $599.88 USD
Clip Studio Paint: Existen dos versiones de Clip Studio Paint, Pro y EX. A pesar que CSP Pro se enfoca más en los ilustradores y la pintura digital y CSP EX en la producción de manga, cómic y animación sus herramientas son virtualmente las mismas; la diferencia principal radica en que CSP EX permite trabajar con animaciones ilimitadas y Pro está limitado a 24 cuadros. Clip Studio Paint se basa en el dibujo cuadro a cuadro y tiene muchas herramientas para dar un look natural y suave de delineado, herramientas inteligentes para el pintado de áreas, manejo de cámaras y conversión de modelos 3D e imágenes 2D hacía ilustraciones tipo manga. Ambas versiones están disponibles para Windows, macOS y dispositivos iPad:
Paint Pro – 49.99 USD
Paint EX – 219 USD
iPad Pro – 4.49 al mes ó 24.99 el año
iPad EX – 8.99 al mes ó 71.99 el año
CTP Pro: Está diseñado para producir animación 2D con calidad de series de televisión y largometrajes, sin embargo a pesar de que suena bastante prometedor y que el desarrollo del programa continúa, la mayor parte de la disponible así como su funcionalidad es algo básica en comparación a otros programas de animación actuales. El programa está disponible en 3 versiones: CTP Pro HD, CTP Pro SD y CTP Pencil Test. CTP Pro HD permite renderizar hasta 8K mientras que CTP Pro SD está limitado a 800x600. Por último, CTP Pencil Test está diseñado para digitalizar correctamente dibujos hecho a mano y posteriormente ser importados a CPT PRO. Todas las versiones están disponibles para Windows pero cada una tiene un precio distinto:
CTP Pro HD – $550 USD
CTP Pro SD – $278 USD
CTP Pencil Test – $222 USD
FlipBook: Es considerado uno de los softwares profesionales de animación 2D más sencillos pero a la vez de los más poderosos e intuitivos para usar. Varias figuras importantes de la animación respaldan este software, tales como Glenn Keane, Don Bluth, Andreas Deja y Jason Ryan, entre otros. A parte de las herramientas base de dibujo cuenta con características propias como el Xsheet, digitalizado express de dibujos de papel y una interfaz bastante sencilla e intuitiva. Este programa cuenta con 3 versiones: Lite, Studio y ProHD. Las diferencias entre ellas se reducen al tamaño de salida de la imagen, el número de columnas y el límite de frames por secuencia (300, 1,000 y 1,500, respectivamente). Todas ellas están disponibles para Windows y macOS pero cada una tiene un precio distinto:
Lite – 19.99 USD
Studio – 49.99 USD
ProHD – 149.99 USD
Harmony: Desarrollado por ToonBoom, Harmony se ha mantenido por más de 25 años como uno de los programas de animación estándar de la industria de animación 2D para series de televisión y películas. Actualmente existen 3 versiones: Essentials, Advanced y Premium. Las diferencias van desde la salida de render en 2k, 4k y 8k respectivamente, hasta la posibilidad de integrar y componer escenas 3D, así como el acceso a diferentes efectos y técnicas de animación: cut-out, tradicional, scan & paint, 2D games, paperless, etc. El programa está disponible para Windows y macOS y lo puedes adquirir de dos maneras: por subscripción o por licencia perpetua, donde la suscripción es un esquema de renta mensual o anual que te permite pagar cuando se necesite el software. Estudiantes a tiempo completo y profesores de instituciones acreditadas tienen derecho a un descuento de hasta el 84%.
Suscripción
Essentials: $17 USD (o $11 USD mensuales a 1 año)
Advanced: $42 USD ($28 USD mensuales a 1 año)
Premium: $78 USD ($54 USD mensuales a 1 año)
Licencia perpetua
Essentials: $275 USD
Advanced:$705 USD
Premium: $1,425 USD
Moho: Existen dos versiones de este programa: Moho Debut está enfocado hacia principiantes, por lo que es sencillo de usar y con un precio más accesible. Moho Pro cuenta con herramientas profesionales para la producción de animación 2D, entre ellas un robusto sistema de rigging mezclado con herramientas tradicionales de animación. Cuenta además con una interfaz intuitiva, motores de física y rastreo de movimiento. Ambas versiones están disponibles para Windows y macOS pero cada una tiene un precio distinto:
Moho Debut – 59.99 USD
Moho Pro – 399.99 USD
Retas Studio: Este programa es considerado en Japón como el software líder para la producción del anime. Cada uno de los 4 módulos de Retas Studio fue diseñado específicamente para procesos específicos de la producción de animación 2D. La herramienta Stylos se enfoca en la trazado, vectorización y dibujo. Traceman es el módulo de escaneo con herramientas especializadas en la digitalización de dibujos. Paintman es la herramienta para coloreado y pintura. Core Retas es el módulo de edición, efectos y render. Este programa está disponible para Windows y macOS con un costo de $340 USD.
Toonz Premium: Este programa se distingue por unir la animación paperless digital con la tradicional por medio de herramientas altamente especializadas con el fin de realizar el trabajo de manera más eficiente. Este software es utilizado por numerosos estudios de animación, entre los cuales el más famoso es Studio Ghibli. Cuenta con 4 módulos que ayudan en los procesos de animación: Scan & Clean Up, que eficientiza el proceso de digitalización de dibujos análogos. Ink & Paint, herramientas para pintar y modificar secuencias completas. Edit que trabaja bajo un poderoso xsheet y Compositing que permite agregar FXs como blurs, rayos, iluminación, máscaras, etc. Este programa está disponible para Windows y macOS, contando con distintos paquetes y precios dependiendo de tus necesidades:
Toonz Premium + 5 support tickets + 1 año de free upgrades – 500 USD
Toonz Premium – 390 USD
Toonz Premium + Story Planner – 500 USD
TV Paint: Este es un software que ofrece una solución integral para la animación 2D así como para los diversos procesos ligados a ella: elaboración de storyboards y animatics, ilustración post-producción y FX, incluso viene con herramientas para trabajar stop motion. Existen 2 ediciones: Professional y Standard. Las herramientas para storyboarding permiten organizar y componer secuencias para previsualizarlas de forma instantánea a manera de animatics. Además incluye múltiples filtros y efectos que reducen la necesidad de utilizar otros programas. Ambas versiones están disponibles para Windows, macOS y Linux. Sin embargo, el precio de la licencia depende de la versión que necesites:
Professional Edition – 1,478 USD
Standard Edition – 591 USD
Professional Edition con Descuento para Estudiantes – 591 USD
Standard Edition con Descuento para Estudiantes – 250 USD
CÓMO INICIAR EN LA ANIMACIÓN: ARMANDO TU CURRÍCULUM
Cuando se busca aprender cómo iniciar en la animación y obtener un trabajo en la industria creativa, muchos artistas piensan que tener un currículum no es tan importante. Después de todo, lo que realmente cuenta es tener habilidades técnicas de dibujo y mucha creatividad, ¿cierto? Aunque un portafolio de arte o demo reel es indispensable para ilustradores, animadores, artistas de storyboard y de efectos especiales, un buen currículum puede ser la diferencia clave entre obtener o no el puesto que deseas.
Imagina que de entre las docenas de solicitudes de empleo, un reclutador logra elegir a 5 candidatos para un puesto en un estudio de animación. Todos ellos poseen un portafolio sólido y habilidades superiores. ¿De qué manera podría obtener más información para tomar la decisión correcta y contratar al artista ideal? Si bien ese es el propósito de una entrevista, muchos reclutadores inician a evaluar a los candidatos antes de ella. Y esto lo hacen a través del currículum.
Después de todo, el currículum es un vistazo al historial profesional del candidato: muestra en los lugares que ha trabajado y el tiempo durante el que se desempeñó en diferentes puestos, si tiene experiencia laborando en estudios o si ha trabajado como freelance. A su vez es posible conocer cursos, diplomados o especializaciones así como idiomas en los que puede hablar y cualquier otro tipo de habilidades relevantes. Con toda esta información disponible en un currículum uno se puede dar una mejor idea de a quién se estaría contratando.
Es natural que si vas a aplicar como generalista, artista de storyboard o cualquier puesto de entrada, tu currículum artístico vaya orientado a ser breve y resumido. Pero en cambio, si deseas aplicar para un puesto como supervisor de animación o director de arte, se vería poco profesional que tu currículum fuera demasiado corto. En estos casos, un currículum con más información y experiencia puede que sea ideal.
¿Pero qué pasa si eres recién graduado y no tienes experiencia previa? En ese caso debes incluir información acerca de cursos, actividades extra o trabajo de voluntariado que hayas hecho anteriormente. Los reclutadores son especialmente buenos para deducir tus habilidades en base a las actividades que has realizado.
En el caso de que no seas recién graduado y ya hayas trabajado anteriormente, tu currículum debe iniciar siempre con tu experiencia laboral, seguido por tus estudios y nivel de formación y finalmente, actividades extra. A la hora de mencionar tus trabajos anteriores, no te limites a poner nada más el título de tu puesto. Es importante que describas las actividades que desempeñaste así como el impacto que tu trabajo tuvo en algún proyecto determinado.
No se te ocurra llegar con un documento hecho en Word, con texto simple con alguna de las tipografías más básicas que están disponibles. Esto puede verse muy poco profesional, ya que da la impresión de que no eres tan creativo o que no te importó esforzarte a la hora de hacer tu currículum.
Así que es mejor que pongas a trabajar tu creatividad y pongas algo de esfuerzo a la hora de elegir el formato, diseño, colores e imágenes a incluir en tu currículum. Recuerda que debes mantenerlo sencillo y legible, pero con una mejor presentación visual que un currículum ordinario.
Consejos para Armar un Buen Currículum
Nombra tu archivo bien. Recuerda que cuando envíes tu currículum será leído por un reclutador que recibe a diario decenas de aplicantes, es por ello que es muy importante que nombres tu archivo de una manera inteligente y que se pueda identificar rápidamente.
Siempre orienta tu currículum a la vacante a la que aplicas. Al igual que puedes tener versiones diferentes de portafolios o demo reels, allá afuera quieren conocer y leer tu experiencia laboral enfocada al área a la que estás aplicando.
No por llenar tu currículum de decenas de estudios donde laboraste quiere decir que el reclutador se va a sorprender. Todo lo contrario, puede parecer que sólo estás tratando de llenar por llenar.
Sé icónico a la hora de explicar las capacidades de tus talentos, es decir, mientras más gráfico puedas hacer la información que muestras mejor pero, como en todo, no abuses de ello.
Gráficos que miden tu nivel de conocimiento, los lugares donde has trabajado, o que sirvan como puntos iniciales de cada sección pueden ayudar a elevar el diseño de tu currículum.
Agrega tus redes sociales más relevantes. Linkedin se ha convertido en una herramienta de reclutamiento por excelencia. Asimismo hay plataformas dedicadas a mostrar portafolios y trabajos de arte tales como behance, ArtStation, Instagram y flickr. Vimeo y Youtube son ideales para mostrar demo reels.
Por supuesto, nada de esto sirve si tu currículum no es fácil de leer. Debes entender que los reclutadores normalmente revisan cientos de aplicaciones. Por ende, no pueden darse el tiempo para leer currículums demasiado largos o complicados. Por esto es esencial que el tuyo sea conciso, breve y fácil de leer.
Errores que Debes Evitar
Incluir información irrelevante: Recuerda que un currículum es para dar a conocer tus habilidades profesionales y aptitudes laborales. No es una autobiografía. Por lo tanto, es irrelevante incluir información como estado civil, religión, orientación sexual, peso, altura y otros detalles irrelevantes.
Tener información desactualizada: Así como debes mantener actualizado tu portafolio con tus mejores piezas, también debes mantener al día tu currículum. Quizás ya hayas adquirido más experiencia y cierta información ya se haya vuelto irrelevante.
Incluir tu salario deseado: Por supuesto, discutir cuánto dinero esperas ganar es importante a la hora de aplicar para un nuevo trabajo. No obstante, esto suele hablarse al momento de la entrevista ya que es ahí donde tienes más espacio para negociar.
Usar tipografías extravagantes: Ya hablamos acerca de cómo debes ser creativo y original para diseñar un buen currículum. Pero tampoco exageres. Recuerda que un reclutador debe poder leerlo de manera rápida y sencilla, así que evita usar elementos que puedan impedir su legibilidad.
Tener errores gramaticales: Esto debería ser bastante obvio pero vale la pena mencionar de todos modos. Revisa una y otra vez tu currículum, utiliza un corrector gramatical en línea o pide a un amigo que lo lea y te indique si ve algún error. Especialmente revisa tu información de contacto, ya que poner un número, símbolo o letra equivocada podría significar que tus datos son erróneos y los reclutadores no tendrán manera de contactarte.
CÓMO INICIAR EN LA ANIMACIÓN: ARMANDO UN DEMO REEL
Al ir aprendiendo cómo iniciar en la animación te darás cuenta de que no basta con tener creatividad y talento, también debes presentar tu trabajo de manera atractiva y saberte vender. En el caso de un animador, esto se traduce en contar con un demo reel: el cual te permitirá demostrar tus habilidades, abriéndote el camino a través de esta industria tan competida. Por supuesto, si esperas llamar la atención de los reclutadores en algún estudio de animación, debes armar tu demo reel de manera que no solo demuestre tu talento y conocimientos, sino que también resulte interesante y entretenido de ver.
Es por ello que a continuación te presentamos distintos consejos acerca de cómo iniciar en la animación armando tu demo reel correctamente: desde la organización que debes dar a tus trabajos hasta la duración recomendada para un reel.
“La lección número uno al armar tu demo reel: ¡debes destacarte! Para llamar la atención de algún reclutador no solo debes mostrar un buen nivel de animación, necesitas presentar algo que puede ser recordado. Para mí, la animación y cualquier otro medio artístico, toma más sentido cuando estás contando una historia. Aún si se trata de algo sencillo: una emoción o un personaje. ¿Por qué no aplicar ese mismo principio a un demo reel?”. – Mónica Eggert, artista y animadora española.
Demuestra tu Creatividad
No basta con únicamente exhibir habilidades técnicas y conocimiento en torno a la animación. También debes ser capaz de contar una historia que resulte entretenida a través de tu trabajo. Recuerda que todo esto representa no solo tus capacidades como animador sino también tu personalidad y forma de ser.
Concéntrate en los Personajes
En palabras del legendario artista Aaron Blaise, la animación se trata de darle vida a los personajes y dotarlos de personalidad, no únicamente moverlos porque si. Es decir, que debes concentrarte en que tus personajes parezcan reales, capaces de transmitir una emoción. Después de todo, no quieres que tus animaciones se vean demasiado mecánicas y forzadas, sino realistas.
A veces no se requiere de demasiada complejidad para que tus personajes sean capaces de expresar un sentimiento de manera creíble. Puede ser una simple mirada o un gesto lo que vuelva a tus personajes más expresivos.
Enfoca tu Trabajo
Un buen demo reel debe ser muy específico en cuanto a tus habilidades y al puesto que deseas obtener en la industria. Sea cual sea el camino que desees escoger y el área donde te vayas a especializar, debes asegurarte de que tu demo reel vaya enfocado en esa misma dirección. Descubre cual es tu verdadera pasión como artista y construye todo tu demo reel alrededor de eso.
No Olvides a tu Audiencia
Puede que tengas que editar tu portafolio o demo reel dependiendo de a qué compañía pienses aplicar, ya sea un estudio de animación, efectos especiales o videojuegos. También es ideal que muestres algunas animaciones y trabajos con el estilo característico del estudio al que vas a solicitar un empleo. Es importante que te des el tiempo para investigar a detalle el estudio donde quieres aplicar. Conoce a fondo su trabajo para que puedas mostrar en tu portafolio de animación las piezas que les sean relevantes.
Ten en Cuenta la Duración
Como regla general, tu demo reel no debería tener una duración mayor a dos minutos. Al igual que si tuvieras un currículum o portafolio con docenas de páginas, un demo reel demasiado largo da la impresión de que nada más incluiste todos tus trabajos a la vez en lugar de seleccionar tus mejores obras. Debes demostrar tus habilidades a través de tus mejores trabajos, no saturar tu demo reel con demasiadas piezas que parezcan simplemente relleno.
Ten tus Trabajos y Portafolio Online
Hay diferentes maneras de poder mostrar tu trabajo en línea. Probablemente la mejor de ellas es a través de un sitio web personalizado. No obstante, también puedes publicar tu demo reel en sitios como Vimeo, Youtube e incluso Artstation. De cualquier manera, también se recomienda que tengas un perfil profesional en LinkedIn y por supuesto, que también incluyas ahí un enlace a tu portafolio o demo reel.
Tu Demo Reel Debe ser Entretenido
Recuerda que al final del día, una producción animada trata acerca de contar una historia y provocar alguna emoción en los espectadores. Por lo tanto, no basta con únicamente exhibir habilidades técnicas y conocimiento en torno a la animación, sino de que también eres capaz de contar una historia adecuadamente.
“Cuando solía trabajar en Disney, frecuentemente hablábamos sobre los portafolios que más se destacaban. Y se destacaban precisamente porque eran divertidos de inicio a fin. Después de todo, los animadores trabajamos en la industria del entretenimiento, así que espero que un demo reel o portafolio pueda entretenerme”. – Aaron Blaise, artista veterano de Disney Animation Studios.
Mantén una Estructura Organizada
Si bien tienes que asegurarte de que el inicio y final de tu demo reel presenten lo mejor de tu trabajo, todo lo que esté de intermedio debe fluir de manera natural, conectando todas tus obras. Por supuesto, también debes mantener una estructura para tu demo reel, de modo que sea fácil de entender.
Recuerda presentar ciertos elementos fundamentales: animación de personajes, modelado, rigging, iluminación, diseño y composición de escenas. Deja todo lo que no esté relacionado directamente con la animación para un apartado final y como un extra.