Los Mitchell vs Las Máquinas es una producción animada realizada por Sony Pictures Animation, quienes también produjeron la galardonada cinta de Into the Spider-Verse. Aquí conoceremos a Katie Mitchell, una joven que es aceptada en la universidad de sus sueños. Decidido a tener un último viaje juntos, su padre propone emprender una travesía familiar de camino a la nueva escuela de Katie. No obstante, sus planes son arruinados cuando la tecnología cobra conciencia y decide revelarse en contra de la humanidad.
Aún cuando toda clase de aparatos electrónicos buscan acabar con ellos, Los Mitchell deberán hacer lo necesario para unirse como familia antes de que sea demasiado tarde para el mundo entero. Cabe destacar que esta cinta originalmente se titulaba “Conectados” y tenía planeado hacer su estreno en cines durante el 2020. Sin embargo, Netflix adquirió los derechos exclusivos de distribución por lo que además de cambiar el título de la película, se decidió llevar a cabo su debut de manera en su plataforma de streaming en abril del 2021.
Los Mitchell vs Las Máquinas ha sido muy bien recibida por la crítica, quienes han elogiado su nivel de animación, sentido del humor y entretenida historia. Y es que al igual que como sucedió en Into the Spider-Verse, esta cinta posee un estilo artístico que combina elementos de ilustración y animación 2D con cgi. A continuación te explicamos más a detalle cómo los artistas de Sony Pictures Animation lograron mezclar todos estos elementos para crear el estilo de arte en Los Mitchell vs Las Máquinas.
Para ello contamos con la información proporcionada por Mike Lasker, supervisor de efectos especiales y Alan Hawkins, director de animación en personajes. Juntos impartieron una conferencia en la edición online de Lightbox Expo 2021, detallando el proceso de desarrollo visual y arte en Los Mitchell vs Las Máquinas.
DESARROLLO Y ESTILO VISUAL
Todas las imágenes son propiedad de Sony Pictures Animation.
Esta cinta se distingue por su sorprendente estilo visual y artístico, el cual combina acuarelas, ilustraciones manuales, texturas y animación 3D. Las ilustraciones manuales, que sirvieron como base para toda la producción artística, fueron realizadas por Lindsey Olivares, responsable del diseño de producción.
Según recuenta Lasker, trasladar el estilo visual de Olivares a la gran pantalla fue facilitado gracias a la experiencia aprendida durante la producción de Into the Spider-Verse, otra cinta que combina animación 2D y 3D. Para ello analizaron todos los trazos, sombras y detalles que conforman a los personajes, eligiendo enfocarse en ellos para darles mayor realismo. En cambio, otros elementos en el fondo como los árboles o el cielo están simplificados. Por su parte, las variaciones de tonalidades asemejan el estilo característico de la pintura acuarela, el cual fue utilizado por Lindsey Olivares en sus diseños.
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De hecho se creó toda una paleta de colores para mostrar cómo los tonos pueden variar dependiendo de la iluminación y otros efectos presentes en cada escena. Posteriormente dividieron las imágenes según sus distintos componentes: concluyendo que los trazos y el delineado de los personajes eran un elemento muy importante para definir el arte en Los Mitchell vs Las Máquinas. Esto llegó al grado de que algunos de estos trazos, especialmente los que se marcan en los rostros de los personajes, se volvieron elementos animados.
También crearon una herramienta capaz de tomar todo el material de referencia para las pinceladas manuales y el estilo de acuarela, integrándolo dentro de la animación 3D. Sin embargo, cada escena tiene un acabado diferente en cuanto a la aplicación de estas pinceladas, de manera que no luce simplemente sobrepuesto. Esto le da mayor detalle y autenticidad al arte en Los Mitchell vs Las Máquinas, contrario a lo que sería utilizar un filtro automatizado para toda la cinta.
DISEÑO DE PERSONAJES
Todas las imágenes son propiedad de Sony Pictures Animation.
Y es que la cinta de Los Mitchell vs Las Máquinas gira en torno al contraste entre dos mundos: humanos y robots así como ilustraciones tradicionales y animación 3D. Esto es algo que también se refleja en el mismo diseño de personajes, ya que mientras los Mitchell tienen figuras exageradas, colores vibrantes y rasgos caricaturescos, los robots cuentan con una apariencia pulcra, refinada y minimalista. Esto fue gracias al trabajo de Lindsey Olivares, quien trabajó tanto en el diseño de personajes como en el diseño de la producción misma.
“Hay muchas referencias personales que se usaron para darle autenticidad a los personajes. Aún si son cosas muy específicas como el color de una chamarra o los accesorios dentro del auto, esto ayuda a que la audiencia perciba a los personajes como seres más reales”. – Alan Hawkins, director de animación en personajes.
Esta autenticidad no solo aplica en la manera en que lucen los personajes, sino también en sus movimientos al interactuar con su alrededor. Por ejemplo, Katie interactúa mucho con su chamarra y por lo general tiene una posición más relajada, en contraste a su padre Rick. También se notan estos detalles cuando un personaje tiene la mirada perdida al estar distraído o cuando se quedan sin aliento después de correr por un largo rato. Todo esto tiene la intención de hacer que sus acciones se sientan más improvisadas y naturales.
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Rick fue el primer personaje que desarrollaron en la cinta, por lo que experimentaron distintas técnicas y estilos con él antes de aplicarlas al resto de la familia. Según recuenta Hawkins, fue un reto poder darle textura a su barba de manera que se viera realista y encajase con el estilo visual. Pero de alguna manera, todo lo que lograron desarrollar y aplicar en Rick marcó la pauta para el resto del estilo visual en la cinta.
Mientras que los humanos tienen formas orgánicas con muchas curvas y movimientos naturales, los robots presentan una silueta compuesta por figuras geométricas mucho más refinadas. Esta misma geometría se utilizó para desarrollar una herramienta que permitiera separar a ciertos robots en distintos fragmentos, los cuales eran capaces de moverse de manera individual, tomar otra forma y finalmente volver a componerse. Por supuesto, poder animar y renderizar cada secuencia de esta manera fue un verdadero reto.
Todas las imágenes son propiedad de Sony Pictures Animation.
Al principio se exploraron distintas maneras de dividirlos geométricamente, comenzando por usar herramientas de modelado en Autodesk Maya. Posteriormente se utilizó un sistema de curvas booleanas, aunque esto hizo que los robots fueran más difíciles de renderizar. Afortunadamente, los artistas de Sony Pictures Animation hallaron la manera de volver los modelos más estables a lo largo del pipeline. Finalmente y para recalcar la autenticidad de la cinta, cada artista tenía la libertad de usar estas herramientas de la manera que quisieran, logrando que cada escena resultase diferente y única.
“Una de las cosas más sorprendentes es que estos robots en particular no tenían casi ningún rig, por el contrario, cada animador contaba con una herramienta especial para dividir y segmentarlos de maneras distintas. Por eso cada uno de estos robots tiene una especie de movimiento diferente”. – Alan Hawkins, Director de Animación en Personajes.
DISEÑO DE ESCENARIOS Y EFECTOS VISUALES
Todas las imágenes son propiedad de Sony Pictures Animation.
Si bien era importante resaltar luces, texturas y figuras, también había que simplificar considerablemente otros aspectos para lograr obtener un estilo similar al de la ilustración tradicional. Por ello, ciertos elementos en los fondos como el pasto o el cielo fueron simplificados: combinando escenarios virtuales en 3D con pinturas tradicionales de modo para lograr un balance entre ambos medios. Así los escenarios utilizados en la película quedaron idénticos a los dibujos utilizados durante la fase de desarrollo y arte conceptual.
El interior de la casa de los Mitchell fue uno de los escenarios más complicados, combinando espacios de diferente iluminación y con una gran cantidad de objetos acumulados en todas partes. Pero esto resultó crucial para lograr que su hogar se sintiera como un lugar real. Y para denotar aún más la autenticidad de los personajes, cada cuarto incluye muchos detalles que informan acerca de sus respectivas personalidades.
Todas las imágenes son propiedad de Sony Pictures Animation.
En opinión de Lasker, el carro de los Mitchell podría considerarse como otro personaje, debido a su importancia en la trama, el nivel de detalle que se le dio así como todo el tiempo que pasa la familia dentro de él. Tras tener listo el modelo 3D, se agregaron muchos elementos que le dieran un toque más familiar. A su vez se texturizó de manera que luciera viejo y acabado. Finalmente, la ciudad de los robots se caracteriza por usar colores neones. Esto le dio un acabado brillante e increíblemente detallado en cuanto a la iluminación y tonalidades, aún a pesar de su minimalismo en comparación al hogar de los Mitchell.
En cuanto a los vfx, se pintaron diferentes efectos como llamaradas y explosiones, los cuales se combinaron con animaciones 2D para lograr un sorprendente estilo híbrido como resultado final. Esto implicó una colaboración entre los animadores y los artistas de vfx, donde los animadores dibujaban las siluetas del fuego o las explosiones para que después los técnicos de efectos especiales las pudieran insertar en las escenas correspondientes. A diferencia de ello, los robots y sus distintos efectos fueron creados con un aspecto más frío, sobrio y limpio.
KATIE VISION
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Otro aspecto importante en el arte de Los Mitchell vs Las Máquinas es lo que se conoce como Katie Vision: introduciendo elementos 2D de acuerdo a la personalidad de Katie y lo que sucede en algún momento en particular. Cabe mencionar que todas estas escenas fueron improvisadas, ya que ninguna se planeó de antemano en el guion de manera específica. De hecho, distintos artistas proponían sus ideas acerca de cómo podían llevarse a cabo cuando llegaban a una de estas escenas. Esto dio como resultado una gran combinación de diferentes estilos artísticos y música.
