Sin importar que se trate de una serie, corto o película animada, todas ellas comienzan su proceso de producción a través del guion: el cual es trasladado a un storyboard para poder representar la historia de una manera más visual. De esta manera puede resultar similar al proceso de hacer un cómic, ya que básicamente consiste en contar una historia mediante dibujos e imágenes. La diferencia está en que el proceso no termina ahí, ya que estos dibujos son la base para poder llevar a cabo el resto de la producción audiovisual. Y siendo que el trabajo de un artista de storyboard es tan importante, en esta ocasión te compartimos algunos importantes consejos que te podrán ayudar a mejorar tus habilidades en esta área.
Estos consejos y lecciones son proporcionados por Nico Selma, un artista argentino con amplia experiencia en la industria del cómic y la animación 2D. Por si fuera poco, actualmente se desempeña como Director de Storyboard en Nickelodeon Animation Studios. Selma forma parte de la más reciente edición de CCD Conecta: un evento dedicado al impulso, desarrollo y reclutamiento de artistas en México, organizado por el Gobierno de Jalisco y Ciudad Creativa Digital Guadalajara.
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EL TRABAJO DE UN ARTISTA DE STORYBOARD
Todas las imágenes son propiedad de Nick Animation Studios.
Normalmente un storyboard se completa a lo largo de 8 semanas: las primeras 4 se utilizan para definir el concepto inicial, tras lo cual se presenta ante los directores. Es usual que aquí se requieran diversos cambios a realizar, para lo cual se otorgan otras 4 semanas. Sin embargo, a menos de que sean demasiados ajustes, Nico comenta que lo normal es tomarse de 6 a 7 semanas. Además, cuando se trata de trabajar en capítulos de 22 minutos, se tienen equipos de 2 o 3 artistas para trabajar simultáneamente los storyboards. Por el contrario, si son episodios de 11 minutos, entonces el trabajo recae únicamente en un artista de storyboard.
Algo también a tener en cuenta: cuando se van a incluir nuevos personajes, escenarios y props en un episodio, muchas veces depende del artista de storyboard poder dibujar su apariencia inicial en base a la descripción presente en el guion. Posteriormente, una o dos semanas después, los diseñadores ya habrán creado todos los elementos que van a definir el aspecto de estos escenarios o personajes. En este punto, los artistas de storyboard ajustan sus dibujos en cada panel durante el proceso de cambios y ajustes en las últimas 4 semanas de labor.
CONSEJOS PARA MEJORAR UN STORYBOARD
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Normalmente muchos artistas de storyboard trabajan de manera sencilla: reciben el guion y lo trasladan tal cual lo van leyendo a los paneles del storyboard. Sin embargo, Nico insiste en que esta es una versión muy limitada de esta labor. Ya que es trabajo de un artista de storyboard no solo poder contar la historia por medio de imágenes, sino hallar maneras de que la narrativa funcione o incluso esta mejore. Por ello, hay ciertos elementos claves que se deben tener en cuenta para poder mejorar la historia y elevarla a la hora de trasladarla de manera visual.
Antes que nada, se recomienda leer una y otra vez el guion hasta entender completamente el mensaje principal de la historia. De modo que todos los dibujos y elementos artísticos que se realicen vayan encaminados a este mensaje. De lo contrario, por más detallados y llamativos que se vean tus dibujos, la historia simplemente carecerá de sentido o impacto.
Luego se divide la historia según las escenas que la componen y así resulta más fácil ir agregando detalles adicionales para enriquecer aún más la trama. A lo largo de este proceso se deben considerar todas las herramientas visuales que se disponen: como elegir los movimientos de cámara y ángulos a usar en cada uno de los paneles del storyboard. Esto puede hacer toda la diferencia a la hora de que una escena resuene con la audiencia.
Por más bueno que sea un guion, Nico comenta que a veces puede perder su claridad y sensibilidad a la hora de trasladarse a un storyboard. A veces puede ser complicado para un artista de storyboard hallar la manera de representar exactamente todas las palabras del guion por medio de dibujos. Por ello, un artista de storyboard debe leer entre líneas y encontrar la manera de realmente captar las emociones de los personajes en cada secuencia: que están pensando y sintiendo. Esto le da un mayor peso emocional, así como autenticidad y realismo.
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Todo esto hace que cada escena sea más valiosa, en lugar de limitarse a solamente dibujar lo que está escrito tal cual en el guion. Además, facilita el trabajo de los animadores más adelante durante el proceso de producción, ya que deja más claro la actuación que deben tener los personajes. Algo importante a tener en cuenta: los personajes deben interactuar entre sí y con los props en un escenario, sus expresiones faciales deben mostrarse claramente y las tomas de cada secuencia deben mantenerse enfocadas en ellos. Esto hace que el storyboard tenga mayor dinamismo y por ende, resulte más llamativo.
Normalmente todo este tipo de decisiones no recaen solamente en el artista de storyboard, ya que también se reciben comentarios y ajustes por parte del director. No obstante, Nico comenta que todos estos elementos se deben considerar desde un inicio, ahorrandote retrabajos en un futuro y elevando tu proficiencia a la hora de llevar a cabo tu labor.
“Cuando te dan trabajo como artista de storyboard, no te contratan tanto por tus dibujos sino por la manera de pensar que tienes para contar una historia y desarrollarla visualmente. Tu trabajo consiste en tomar el guion de la serie y hacerlo mejor. Presentarlo con el director, hacer ajustes y seguirlo mejorando”. – Nico Selma, Director de storyboard en Nick Animation.
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No obstante, Nico asegura que este tipo de cuestiones pueden variar dependiendo del proyecto o estudio donde trabajes. Hay proyectos que se enfocan más ya sea en el guion o el storyboard. Por ejemplo, mientras que en Adventure Time se da mucha más importancia al storyboard y se le otorga mayor libertad para decidir toda clase de detalles, en Los Simpsons se sigue por completo el guion al pie de la letra. De cualquier modo, nunca está de más preguntar y consultar con el director en caso de dudas o antes de realizar un ajuste importante que cambie la historia del guion.
“Muchas veces no se dan cuenta de ciertos cambios y detalles del guion, siempre y cuando al final de cuentas funcione el storyboard y la trama se entienda de manera clara. Todo depende también con la clase de director que estés trabajando: ya sea uno muy posesivo o más flexible en cuanto a la manera en que otros artistas pueden contribuir a la historia.”. – Nico Selma, Director de storyboard en Nick Animation.
Es por todo esto que Nico insiste en que es vital leer el guion una y otra vez: de modo que entiendas completamente la historia y sepas cuáles cambios pueden ayudar a mejorarla.
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A la hora de hacer muchos ajustes, puede ser tardado cuando se le dedica mucho tiempo a agregar tantos detalles a cada panel del storyboard. Por ello, se recomienda primero hacer miniaturas, dibujando a los personajes de manera sencilla y rápida, simplemente para asegurarte que la historia se entiende claramente. Una vez que el mensaje ya ha quedado definido, se pueden agregar los detalles faltantes y hacer los paneles por completo. En este aspecto, el proceso de Nico inicia dibujando las miniaturas con lápiz y papel, pasando a trabajar en Photoshop una vez que ya tiene todo lo necesario para trabajar el storyboard.
“Los cortes de cámara no deben suceder solo porque sí, debe haber una motivación clara: separar movimientos y acciones definidas, introducir elementos nuevos a escena o intercalar las tomas entre los diálogos de distintos personajes. De lo contrario, no se necesita un corte sino únicamente movimientos de cámara que guíen la atención del espectador y den mayor dinamismo a la secuencia”. – Nico Selma, Director de storyboard en Nick Animation.
Ejercicios Recomendados Para un Artista de Storyboard
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Nico sugiere consumir mucho material audiovisual: analizar películas y series, poniendo especial atención en los movimientos de cámaras y las expresiones de los personajes. A veces esto requiere verlas 2 o 3 veces para realmente comprender todos los elementos que componen las escenas: tales como el encuadre y composición de las tomas.
Posteriormente, puedes dibujar tus propias miniaturas sobre estas escenas. Incluso puedes hacer una o dos páginas trabajando como si fuera el storyboard completo. De igual manera, puedes buscar guiones que te gusten y convertirlos en storyboards.
Nico recomienda familiarizarte con los distintos procesos de animación y entender sobre sus 12 principios fundamentales, tales como la anticipación, la puesta en escena, acciones complementarias y movimientos en arcos, entre otros. También puedes practicar analizando los cómics, prestando atención a cada detalle en los movimientos y expresiones en las viñetas. Esto a su vez te podrá ayudar a entender en cuanto a las tomas y ángulos que se utilizan para resaltar las acciones de los personajes. No obstante, hay ciertos detalles que solo se pueden apreciar en la animación, por lo que lo ideal es estudiar ambos medios.
Armando un Portafolio de Storyboard
Dependiendo del estudio a donde busques aplicar como artista de storyboard, es el tipo de portafolio que debes armar. Por ejemplo, es muy distinto tener un portafolio enfocado en anuncios y publicidad, producciones live action o proyectos animados. Nico recomienda tener por lo menos 3 storyboards que sean muy buenos, cubriendo cada uno de los siguientes géneros: comedia, acción y drama. No solo se trata de tener dibujos bien hechos, sino de saber cómo contar chistes, representar escenas de acción o diálogos importantes entre personajes.
Si esto no te es posible, entonces por lo menos reconoce cuál de estos géneros es tu especialidad y enfócate en ello. Por ejemplo, puedes tener 3 storyboards distintos de comedia: con un estilo más de anime o un estilo más caricaturesco como Bob Esponja. También puedes elegir enfocarte en el género de acción: haciendo storyboards simulando el estilo de Teen Titans o Batman, o presentando tu trabajo con un estilo más realista.
No obstante, tampoco debes incluir demasiados storyboards al punto de que tu portafolio esté saturado. No solo los reclutadores no tendrán tiempo de verlos todos, sino que podrán terminar con la impresión de que solo incluiste muchos trabajos para rellenar tu portafolio. También debes ser capaz de aceptar las críticas constructivas y hallar la manera de aplicarlas para mejorar tu trabajo. Para ello también debes conocer tu audiencia ideal, no tiene caso que vayas a mostrar tu storyboard de comedia a un estudio enfocado en producir series de acción.
Programas Más Recomendados
Nico sugiere aprender a usar Storyboard Pro, ya que te permite trabajar completamente todo el proceso: desde las miniaturas y el storyboard mismo, hasta inclusive el animatic. Por otro lado, también recomienda el uso de ProCreate, TV Paint y Photoshop, siendo este último también uno de los más utilizados en la industria. No obstante, a pesar de las diversas opciones que existen, Nico asegura que lo más importante no es el programa que utilizas para hacer tu trabajo, sino la creatividad que le das a cada panel y la manera en que interpretas una historia.
“Hoy en día, programas como storyboard pro te facilitan muchas acciones, tales como distintos movimientos de cámara. Sin embargo, muchas veces los artistas abusan de estas herramientas y se incluyen muchos cortes y movimientos que simplemente no tienen sentido. A final de cuentas lo único que debe destacarse es la historia misma: todo lo demás son solamente elementos artísticos que se añaden en función de la trama”. – Nico Selma, Director de storyboard en Nick Animation.
