Como una definición puedo decir que la animación 2D es el movimiento en un espacio bi-dimensional, pero dentro de la misma animación 2D hay muchas vertientes dependiendo del trabajo que realices. En teoría la tarea que realiza la persona que se dedica a animar al personaje de Rick en la caricatura Rick & Morty, hace la misma clase de trabajo que el individuo que anima gráficos en videos promocionales para empresas corporativas; ambos hacen animación 2D y comparten los mismos principios, pero lo deben de expresar de formas muy diferentes.
En este texto me enfocaré más a hablar de la animación 2D en su ámbito de producciones para caricaturas y películas, les explicare un poco sobre las similitudes y variedades entre técnicas, como fue y es el proceso para crear animaciones y la actualidad y el futuro de la animación 2D, pero antes de todo eso:
¿Qué es la Animación 2D?
Como dije al inicio, la animación 2D es el movimiento en un espacio bidimensional, para lograr la ilusión de que los objetos se mueven los animadores se apoyan de la realización de fondos y otros efectos, también a todo esto le tenemos que añadir el tiempo en el que van a suceder estos movimientos.
En producciones live-action se usan 24 cuadros por segundo, esto trasladado a la animación es algo mucho más complicado ya que para hacer una película animada de 1 hora y media de duración se tendrían que hacer 129,600 dibujos o cuadros.
Hay estudios de animación que se han aventurado a hacerlo, por ejemplo la productora TMS Entertainment hizo un dibujo cada cuadro en la película de Akira de 1988, pero por la gran dificultad que esto presenta se volvió algo sumamente común hacer animación a “2’s”.
Esto quiere decir que cada dibujo de la película va a durar dos cuadros, dando como resultado que en 1 segundo de película haya 12 dibujos en lugar de 24; retomando el ejemplo anterior de una película de 1 hora y media de duración y haciendo 12 dibujos por segundo, la película tendría 64,800.
Más adelante en el texto te explicaré a detalle un flujo de trabajo común en la actualidad y que muchos estudios dentro de la industria usan, ahorita quiero exponer cómo se hacía la animación 2D en sus inicios y para esto no hay mejor ejemplo que el clásico de Walt Disney de 1937, Blancanieves y los Siete Enanos.
La Animación 2D en 1937
Con un diseño de los personajes y guión completados, los animadores se ponían a dibujar cada cuadro de la película, cada dibujo iba en una hoja la cual colocaban sobre una caja de luz.
Esta caja contiene un foco dentro el cual al momento de prenderlo sirve para que pudieran ver los dibujos anteriores y así ver la posición y comprender mejor el movimiento, además de esto muchos animadores ponían un espejo frente a ellos para poder hacer gestos y tener referencias de cómo los personajes mostrarán sus emociones.
En el presente muchas escuelas de animación lo toman como algo indispensable e incluso imparten clases de actuación y movimiento corporal para que los alumnos entiendan y aprendan a actuar y poder hacer sus propias referencias. Ya que se tenían los dibujos hechos se les tomaban fotografías, posteriormente se tomaba la cinta resultante y se proyectaba para verificar que la animación estuviera correcta, al pasar la prueba de la proyección era momento de pasar al entintado.
Aquí se les daban los cientos de dibujos a los encargados de este departamento, ellos colocaban una lámina de celuloide transparente sobre el dibujo y lo calcaban con la tinta. Los dibujos entintados, se mandaban a las personas encargadas del color las cuales pintaban las láminas por detrás para no arruinar el entintado.
Mientras todo lo anterior sucedía, otros artistas se dedicaban a pintar los fondos con acuarelas, un trabajo que tomaba meses para completarse. Al tener los celuloides y fondos listos se les tomaban las fotos finales, primero se colocaba el fondo y sobre éste la lámina transparente con los dibujos, dando como resultado la cinta lista para agregar el sonido y música.
Los Principios de la Animación
Existen 12 principios de la animación creados por los veteranos de Walt Disney: Frank Thomas y Ollie Johnston. Si alguna vez has visto una película o episodio de una caricatura y sientes que algo se ve raro de cómo se mueven los personajes, es muy probable que sea porque no aplicaron muy bien algo de lo siguiente:
Estirar y Encoger
La finalidad de este principio es dar la sensación de flexibilidad y peso al objeto
Anticipación
Como el nombre lo dice, es el anticipo de las acciones que se van a presentar y así se vean más convincentes al espectador.
Puesta en Escena
El objetivo de este principio es mantener la atención en lo que es importante que la gente vea, para lograrlo se usan diversas técnicas de luz y sombra, la posición de la cámara y de los personajes en la toma entre otras.
Animación Directa y Pose a Pose
Hay dos tipos de animación, la animación directa es dibujar la acción cuadro por cuadro de principio a final, el método de pose a pose es primero dibujar las posiciones clave y después rellenar los intermedios entre estas las poses con más dibujos.
Acción Complementaria y Acción Superpuesta
Estos principios sirven para que los movimientos se vean más naturales. La acción complementaria es cuando objetos ajenos a los del cuerpo del personaje se mueven a diferentes tiempos, por ejemplo, si un Batman está corriendo por un callejón y se detiene, la capa que trae puesta se debe seguir moviendo a pesar de que Batman se haya detenido. La acción superpuesta es el movimiento del cuerpo a diferentes tiempos, retomando el ejemplo de Batman, las piernas, los brazos y su cabeza se estarán moviendo diferente, esto para evitar que parezca un robot.
Acelerar y Desacelerar
Como el nombre lo dice, esta técnica se basa en que se sienta la existencia de la aceleración y la desaceleración, esto se logra haciendo más dibujos al inicio y final de las acciones dejando la mitad con menos dibujos y enfatizando más estas poses.
Arcos
El objetivo de los arcos es eliminar la rigidez de los cuerpos, a menos que se busquen movimientos mecánicos. Todas las actividades tienen un arco el cual hace más fluidos las acciones. Acción Secundaria Este principio se basa en dar cosas extra al personaje mientras hace otras acciones para reflejar dichas emociones, un ejemplo sería que este mascando chicle o silbando mientras esté caminando.
Timing
Este es sencillo ya que solo se refiere a la cantidad de dibujos que se harán para la acción, si queremos que algo se sienta pesado y lento se harán más dibujos, de lo contrario se harán menos. Se deben combinar ambos para vender la sensación de dramatismo, por ejemplo, en las peleas de la mayoría de los animes existen pocos dibujos para mostrar cuando se están moviendo a gran velocidad, pero cuando quieren mostrar que un golpe es muy fuerte y potente le agregan muchos dibujos y detalles a esas partes.
Exageración
Este apartado depende mucho del estilo con el que se esté animando, ya que trata sobre hacer dibujos extremos de expresiones o movimientos corporales, un ejemplo muy claro son los Looney Toons y como suelen estirarse para mostrar más las acciones.
Dibujo Sólido
El objetivo del dibujo sólido es entender la anatomía y constitución del objeto o personaje que se esté animando, lograr transmitir sus características mediante el uso de luces, sombras, volumen, etc…
Atractivo
Quiere decir saber comunicar los rasgos físicos del personaje para que concuerden con su personalidad, este apartado depende totalmente de cómo creemos a nuestros personajes.
El canal de YouTube Mirball School tiene un video que explica gráficamente cada uno de estos principios y lo hace muy bien, te lo recomiendo.
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Proceso de la animación 2D
Ahora que ya les hablé un poco de qué es y cómo se hace la animación 2D, voy a saltar unos 80 años en el futuro y hablar de la industria en la actualidad. Al día de hoy, para poder hacer una película o serie animada lleva un desarrollo relativamente fácil de entender y muy parecido a como se hacía en 1937 solo que en estos tiempos se han definido muchas más etapas y la tecnología sintetizó procesos que antes eran más laboriosos, además cada proyecto tiene su propio flujo de trabajo pero uno de los más comunes sería el siguiente:
Storyboard
Es una representación gráfica de toda la película o episodio, ayuda a representar de la mejor manera todas las tomas ya que esto será indispensable para el siguiente paso.
Animatic
Aquí se toman todos los dibujos del storyboard y se hace un video con ellos y así poder conocer cuánto deben durar las acciones que van a suceder en la película, de ser necesario en este proceso se van a agregar dibujos extras para representar mejor los movimientos.
Animación 2D en Rough
También conocida como animación sucia, es donde se realizan todos los dibujos del proyecto. Dentro de esta parte de la producción se divide en hacer keys e inbetweens, los keys son las poses más cruciales del movimiento de los personajes, por su gran importancia los animadores con más experiencia son los encargados de hacer estos dibujos. Los inbetweens o intermedios, son los dibujos que van entre los keys y acompletan el movimiento de los personajes.
Clean Up o Limpieza
Ya que se tiene la animación en sucio, se manda a otro artista para que la limpie, esto quiere decir que se deben volver a hacer todos los dibujos pero estos ya deben quedar listos para que puedan ser coloreados. Debido a que solo se necesita calcar sobre los dibujos sucios se le considera una tarea “sencilla” y muchos animadores novatos comienzan su carrera en esta parte del flujo de trabajo.
Coloreado
Después de la limpieza las tomas se mandan a este departamento y ellos se encargan de colorear las tomas, en ocasiones esto incluye hacer luces y sombras. Finalmente y está la post-producción, aquí se hacen correcciones de color, efectos visuales y de sonido, la música, etc… Todo esto es muy importante pero debido al contexto de este artículo no ahondare en esos procesos.
Diferencia entre la Animación 2D Tradicional y Digital
Con la introducción de la animación 3D mucha gente identifica al 2D en general como animación tradicional, algo que es incorrecto, la verdad es que la animación 2D tradicional es como se hacía en 1937, con miles de hojas y láminas transparentes, esto simplemente ya no se hace en el 2020 a menos de que la estética que estés buscando requiera de esto.
De los ejemplos más recientes donde se usaron técnicas similares fue en el videojuego Cuphead desarrollado por Studio MDHR, la revista TIME en el 2016 hizo una entrevista al artista principal Chad Moldenhauer y se publicaron diversos videos del proceso de animación, más tarde el usuario de YouTube Joel Abad hizo un video recopilando los videos de dicha entrevista y lo subió a la plataforma de Google.
Una de las diferencias entre la producción de animación tradicional y digital radica en que esta última se hace en tabletas digitales que permiten más facilidades (empezando por la opción de hacer ctrl+Z).
Estas tabletas se deben conectar a una computadora y se debe contar con algún software que permita la creación de animaciones, estos programas solucionan la gran mayoría de los problemas que existían en el método tradicional de dibujar en hojas de papel.
La Animación 2D en la Actualidad
El estado de la animación 2D depende totalmente de la región de la que hablemos, por ejemplo en Japón aún hay estudios que hacen dibujos de manera tradicional. En este país el 2D digital o tradicional es sin duda el método más popular para hacer animaciones, el 3D apenas se está incorporando en sus flujos de trabajo pero no lo hace de manera que vaya a reemplazar al 2D, claro que hay series o películas hechas totalmente en 3D. Como ejemplo tenemos a Land of the Lustrous, Knights of Sidonia o la próxima película de Ghibli Aya and the Witch; pero por otro lado tenemos propuestas como la película de Trigger Promare la cual es una combinación de 2D con 3D y es algo que funciona.
Del lado de Europa también es algo parecido a Japón, existen obras exitosas en 3D como Miraculous Ladybug, pero el 2D ha tenido un resurgimiento importando y prueba de esto son las películas I Lost My Body y claro, la galardonada Klaus.
En I Lost My Body se hizo toda la película en 3D, pero fue para tener referencias de movimientos y espacios ya que al final la película fue en 2D, Klaus es una película española que parece estar hecha en 3D pero está totalmente en 2D, lo que vende este efecto es el cómo se hizo la iluminación de los escenarios y los personajes.
La Animación 2D en América
En Estados Unidos el 3D ha reemplazado completamente al 2D en cuestión de largometrajes, es difícil recordar cuál fue la última película en 2D de Disney o DreamWorks. Netflix tuvo un éxito rotundo con BoJack Horseman, DreamWorks recientemente lanzó la segunda temporada de su serie Kipo y la Era de los Magnimales, en las últimas semanas se han anunciado el regreso de múltiples series de los 90s como Ren & Stimpy, Beavis and Butt-Head y Clone High, no se ha dicho que vayan a ser en 2D pero creo que es algo que va a suceder y Sony ganó el Oscar a mejor cortometraje por Hair Love, la cual va a tener su propia serie.
Uno de los estudios más importantes en latinoamérica es Ánima Estudios, quienes tienen una trayectoria considerable en producciones en 2D, desde su serie de películas La Leyenda de… hasta producir El Chavo Animado, la cual fue vista en múltiples países.
Conclusión
La animación 2D es un arte que ha evolucionado mucho a lo largo de los años y que veo que se ubica en un punto muy sano, esto se debe a la facilidad que existe para aprenderlo, hay una gran cantidad de programas gratuitos y de paga como Toon Boom, Animate, Photoshop, Procreate o incluso Blender que hacen todo más sencillo y además existen escuelas que ya tienen carreras totalmente enfocadas a la animación.
La mayor limitante que existe (aparte de lo económico) es la imaginación para crear historias que atrapen a la audiencia y el poder rodearte de personas que comparta tu visión y que juntos puedan crear cosas extraordinarias, sin duda en el futuro todo va a avanzará aún más y no puedo esperar por todas las creaciones que nos esperan.
