Anteriormente te hablamos de las conferencias de Cartoon Network acerca de cómo armar un portafolio, especialmente si va dirigido a la animación y series de televisión. A pesar de que esta serie de webinars fue gratuita, el cupo era limitado y solo unos cuantos alcanzaron a inscribirse. Debido a que muchos no pudieron asegurar su lugar para formar parte de los paneles, Cartoon Network decidió grabarlos y retransmitirlos para que cualquiera pudiera acceder a ellos. Ahora para esta ocasión te contamos todo al respecto de su conferencia respecto al diseño de personajes y elementos en una serie animada.
Para esta conferencia se contó con la presencia de Valerio Fabbretti y Becky Dreisdadt. Fabbretti es director de arte para la serie de “The Fungies!” mientras que Dresidadt se desempeña como supervisora de personajes en Adventure Time: Distant Lands. Juntos se dieron el tiempo para hablar en su experiencia, qué es lo que distingue a un artista dedicado al diseño de personajes y cómo armar un portafolio que llame la atención en este aspecto.
Antes de ser director de arte para una serie animada, Valerio también trabajó en el diseño de personajes para Clarence y Summer Camp Island. Por su parte, Becky participó también en Steven Universe y Star vs las fuerzas del mal. Además tiene experiencia en el campo de la ilustración y los cómics.
DISEÑO DE PERSONAJES EN UNA SERIE ANIMADA
En cuanto al diseño de personajes, Becky comenta que es importante saber dibujarlos en una gran variedad de ángulos. Dependiendo de la importancia que cada personaje tenga, quizás sea necesario incluir bocetos e información adicional, por lo que debes estar familiarizado con ellos para poder dar más detalles en caso de ser requerido.
Independientemente de que personaje se trate, es importante hacer un registro de cómo se mueve la boca al hablar. Esto es de gran ayuda a los animadores para cuando el personaje tenga algún diálogo. También es importante mostrar el rostro de cada personaje con varios tipos de expresiones, por ejemplo, cuando está contento, triste, asustado o enojado.
En ocasiones puede que un storyboard ya esté hecho y se necesite la ayuda de un diseñador de personajes para darle mayor detalle a alguna escena en específico. Tomando como referencia al storyboard, se le agregan luces y otros elementos para darle más importancia y dramatismo a un panel en concreto, lo cual ayuda a los coloristas más adelante en el proceso.
Becky admite que aunque no es algo que se tenga que hacer seguido, una de las partes más complicadas del diseño de personajes es elaborar escenas con multitudes. Esto conlleva decidir cuántos personajes habrá en la multitud y quienes la van a conformar. Por supuesto, para el diseño de cualquier personaje debes evitar las líneas tangentes, las cuales se forman cuando los trazos se juntan directamente. Así que esto se vuelve aún más difícil a la hora de dibujar multitudes, puesto que con varios personajes agrupados en los cuales debes evitar líneas tangentes. Y en ocasiones se deben dibujar multitudes desde distintos ángulos, agregando aún otro grado de complejidad a la tarea.
Otra labor constante es modificar los modelos para personajes ya establecidos. Esto se hace, por ejemplo, para agregar nuevos atuendos o accesorios al diseño del personaje o para mostrar el daño de una pelea. Es importante mencionar que aunque debes usar como base las referencias brindadas por otros artistas, también tienes la libertad de darle tu propio estilo y experimentar distintos atuendos y accesorios para crear nuevas versiones de cada personaje.
En palabras de Becky Dreisdadt, estas actividades componen la labor diaria de un artista encargado del diseño de personajes.
DISEÑO DE ELEMENTOS Y EFECTOS
Por otro lado, otro aspecto importante en la producción de una serie animada es el diseño de accesorios, elementos variados y efectos. Esto incluye explosiones, agua fluyendo en un río, objetos rompiéndose y más. Son todo este conjunto de elementos lo que forman parte del mundo de una serie y la hacen más creíble.
Por ejemplo, a la hora de diseñar una vasija, debes mostrar distintos ángulos para ella así como elementos que la componen e incluso, un ejemplo de cómo se vería al quebrarse. De manera sencilla, debes proporcionar la mayor cantidad de referencias e información para los animadores que se encargarán de incorporar cada elemento en la serie animada. Fabbretti afirma que lo mismo puede aplicar para los efectos animadores.
Aunque no es común, en ocasiones también se puede combinar el diseño de personajes y elementos en uno solo. Todo depende del equipo de trabajo con el que estés colaborando. Nuevamente, tener en una sola referencia como los personajes y elementos interactúan entre sí es de gran ayuda para los animadores. Normalmente cada artista está enfocado ya sea en diseñar personajes o elementos, pero ciertamente es útil saber trabajar con ambos.
DIFERENCIAS DEL DISEÑO DE PERSONAJES EN 2D, CGI Y LIBROS
Betty, quien también trabajó para la película de Lego 2, comenta que una de las principales diferencias es que en cgi se trabaja usando una gama mucho más amplia de colores que en la animación 2D para series de televisión. También, mientras que en una serie animada solo le das más detalle a los protagonistas, en una producción cgi normalmente se explora más a detalle cada uno de los personajes. Incluso es normal que varios diseñadores trabajen en un solo personaje y combinen sus bocetos y referencias en un solo diseño.
Por otra parte, ¿cómo es el diseño de personajes para libros e ilustraciones? Valerio comenta que el trabajo en una serie animada es bastante colaborativo y se integran distintas personas. Por ejemplo, un artistas hace el diseño de cada personaje en blanco y negro, mientras que otro lo colorea y finalmente el animador le da vida al dibujo. En un libro infantil, por su parte, todo este trabajo recae en una sola persona dedicada a hacer el proceso de bocetaje, delineado, entintado y coloreado. Y no solo respecto a personajes, sino también a elementos y escenarios. Básicamente el artista encargado del diseño de personajes también se hace responsable de entregar la ilustración final para imprimir en el libro.
EL PROCESO DETRÁS DEL DISEÑO
Cuando un equipo de artistas recibe un storyboard, Valerio explica que lo primero es analizarlo para encontrar si hay elementos nuevos que se requieran diseñar desde cero para el episodio. Tras sacar una lista de notas respecto a los personajes y elementos, a Valerio le gusta asignarlos a cada artista en base a sus fortalezas, teniendo en cuenta que es lo que más disfrutan dibujar.
Siendo el director de arte, Valerio debe asegurarse de que la visión del artista creador de una serie animada se vea reflejada. Esto aplica tanto en el diseño de personajes a blanco y negro como cuando son coloreados posteriormente. También es responsable de revisar la animación una vez que está lista, para evaluarla y ver si tiene errores o aspectos que se puedan mejorar. Por ejemplo, hay ocasiones donde los artistas dibujan algo diferente a lo solicitado en el storyboard por lo que se tienen que hacer ciertos ajustes para asegurarse de que se siga el guión apropiadamente.
Siendo supervisora del área de personajes, Becky también se encarga de repartir las labores a su equipo y asiste a juntas con los directores de la serie animada. También es la responsable de elaborar una guía de elementos importantes y reglas que debe seguir el equipo de artistas. Esto a su vez ayuda a evitar futuras correcciones y errores durante la animación de cada episodio. A su vez se encarga de realizar el diseño de personajes importantes.
LO MÁS IMPORTANTE PARA UN BUEN PORTAFOLIO
Valerio comenta que lo más importante es saber de anatomía. Por lo mismo, una de las cosas en las que más se fija es que un artista sea capaz de dibujar ojos, pies y manos. En su opinión, esto significa que un artista sabe de proporciones y anatomía, lo cual facilita adaptarse a distintos estilos artísticos.
También es útil saber perspectiva, pues se requiere dibujar tanto personajes como elementos desde distintos ángulos y mostrar profundidad en sus diseños. Becky por su parte comenta que ella prefiere los portafolios que demuestran que un artista sabe acerca de storytelling. Por esta razón prefiere que los artistas tengan experiencia o al menos un entendimiento de cómics o storyboard. También menciona que es importante demostrar autenticidad en tu portafolio, por lo que sugiere adjuntar diseños de personajes originales que hayas creado.
Becky también tiene un consejo importante para todos aquellos recién graduados. Cuando ella acababa de terminar sus estudios y había sometido su portafolio a revisión en Cartoon Network, estaban impresionados con su trabajo. Esto debido a que a pesar de ser una recién graduada, tenía bastante material en su portafolio y no solo actividades o proyectos escolares. Esto demostraba que era apasionada al arte y le dedicaba parte de su tiempo personal y que estaba dispuesta a trabajar duro, lo que le ayudó a conseguir su primer empleo. ¡Así que no te limites e incluye lo mejor de tu trabajo!
Por su parte, Valerio asegura que no es importante demostrar que dominas muchos estilos artísticos. Si bien puede que algunos directores de arte lo prefieran, él comenta que le gusta ver que un artista tenga su propio estilo y sea realmente bueno en ello. En su opinión no es necesario dominar el estilo artístico de la serie animada en la que esperas trabajar, ya que si eres bueno dibujando y entiendes de proporciones, esto lo puedes ir aprendiendo de todos modos.
Esto es algo en lo que está de acuerdo Becky, afirmando que es mejor mostrar consistencia y dominio de una técnica, que intentar abarcar diversos estilos y quizás no ser tan bueno con todos ellos. Además esto ayuda a que cada artista comience a ser reconocido por su propio estilo característico. Aunque claro, si dominas por completo diversos estilos artísticos, entonces no tiene nada de malo demostrar que eres realmente bueno en cada uno de ellos.
Por otra parte, Valerio asegura que es importante mostrar personajes no solo en poses fijas sino también en movimiento. También comenta que es posible mostrar parte de la personalidad de un personaje a través del movimiento y que los artistas que logran hacerlo son mejor valorados. Por esta razón se recomienda incluir dibujos más dinámicos en un portafolio.
Por último, asegura que aunque estés deseando especializarte en el diseño de personajes, también es importante incluir diseño de elementos en tu portafolio. Esto demuestra versatilidad e incrementa las posibilidades de ser contratado. Aún más si dibujas personajes interactuando con elementos en tu portafolio. Becky añade que también es importante mostrar ejemplos de personajes y elementos vistos desde distintos ángulos, ya que esto es parte de las actividades diarias en el diseño de personajes.
Si bien es importante mostrar el dibujo terminado, Valerio comenta que es bueno incluir ejemplos de bocetos rápidos en tu portafolio. Esto ayuda a mostrar de manera clara tu proceso creativo así como experiencia para limpiar trazos. Esta es otra actividad indispensable en el diseño de personajes, ya que en ocasiones debes usar como base los bocetos del storyboard y convertirlos en un dibujo limpio y organizado para entregar a los animadores.
Puede que esto parezca obvio pero Becky asegura que es fundamental incluir obras a color en tu portafolio. Si te especializas en dibujos a blanco y negro, o se te complica hacer uso del color, al menos incluye unos cuantos dibujos a color. Esto hace tu portafolio más interesante y visualmente atractivo. Aún cuando trabajes primordialmente a blanco y negro con el diseño de personajes, debes saber acerca de la aplicación de color.
En cuanto a qué programas o habilidades necesitas tener, Valerio asegura que lo mínimo es demostrar conocimiento en el uso de Photoshop y una tableta gráfica. En su opinión, estas son las herramientas más usadas en la industria para el diseño de personajes así que es indispensable saberlas usar.
¿Qué tantos dibujos debes incluir en tu portafolio? Becky comenta que de 10 a 20 ilustraciones es más que suficiente. Más que eso, es difícil que la gente se tome el tiempo para verlo por completo. Además recomienda siempre empezar con tus mejores trabajos y dejar obras secundarias para el final.
Con información de Cartoon Network Studios.
