Siguiendo la serie de conferencias de Cartoon Network, ya te hemos hablado acerca del proceso de storyboard y diseño de personajes. También hemos comentado acerca de cómo mejorar tu portafolio de arte y desarrollar tu proyecto para presentarlo en un pitch. Ahora concluimos con la información respecto a la dirección de arte en una serie animada y la importancia del diseño de escenarios.
Para esta conferencia se contó con la presencia de dos talentosas artistas reconocidas de Cartoon Network: Jisoo Kim y Paula Spence. Jisso es directora de arte en Summer Camp Island. Comenzó su carrera profesional trabajando en Dreamworks y Frederator, además ha colaborado en series como She-Ra y Harley Quinn.
Paula por su parte, Paula inició como concept artist en Disneyland antes de pasar a formar parte del equipo en la serie de Bob Esponja como pintora de escenarios. Posteriormente se unió a Cartoon Network como directora de arte en series como Las Maravillosas Desventuras de Flapjack y Regular Show.
Juntas hablan desde su experiencia acerca de lo que un director de arte busca en los portafolios de artistas que quieren pintar y diseñar escenarios para una serie animada.
¿QUÉ ES EL DISEÑO DE ESCENARIOS EN UNA SERIE ANIMADA?
Usualmente el diseño de escenarios se realiza completamente en blanco y negro. Posteriormente es el equipo de pintura de escenarios quien se encarga de aplicar los colores y acabados. Sin embargo, todo este proceso empieza primeramente con el trabajo del storyboard.
Como hemos comentado anteriormente, el storyboard es el primer paso para plasmar de manera visual las ideas del director creativo y los guionistas. De esta manera, se comienza por dibujar a los personajes y sus expresiones, los movimientos de cámara así como los fondos o escenarios que componen cada escena. Esto posteriormente se usa como una base de referencia tanto para el proceso de diseño de escenarios como animación.
Estos primeros diseños son supervisados por el director de arte. Tras ser aprobados, finalmente se entregan al equipo de pintura de escenarios, quienes no solo aplican todos los colores al diseño, sino que agregan detalles como patrones, texturas y sombras. En resumidas cuentas, el proceso de un escenario va de storyboard a diseño y finalmente a pintura. Todo con sus respectivas revisiones y ajustes por parte de los supervisores del proyecto.
¿Es necesario saber tanto de diseño como de pintura de escenarios? ¿O puedes elegir un área en la cual especializarte? En opinión de Jisoo, la mayoría de los estudios cuentan con equipos distintos para cada área, por lo que puedes elegir enfocarte en aquella que sea más de tu interés. Sin embargo, Paula afirma que es útil saber llevar a cabo ambos trabajos y esto puede hacer que seas mejor valorado como artista.
Otra opción es enfocarte en el diseño de escenarios y pintarlos mediante escala de grises. De esta manera no te involucras en el proceso de color pero puedes ir determinando la iluminación de la composición. De esta manera, facilitas el trabajo para el artista que se encargue de pintarlo posteriormente. Además existe la posibilidad que en algunos estudios de animación, sobre todo aquellos sin mucho personal, la persona encargada de diseñar los escenarios sea la misma que lo pinte después.
Paula comenta que un escenario, a pesar de estar en el fondo, es un elemento importante que ayuda a complementar la historia de una serie animada. A su vez sirven como un marco para presentar a los personajes y sus acciones. De esta manera, cada escenario debe cumplir con necesidades específicas en la historia, convirtiéndose en piezas importantes durante su producción.
En opinión de Paula, los mejores escenarios son aquellos que logran exitosamente captar la atención del espectador sin distraerlos de lo que está sucediendo con los personajes.
EL DISEÑO DE COLOR
Después de que los escenarios, personajes y elementos han sido terminados en blanco y negro, los estilistas de color se encargan de pintarlos respectivamente. Para esto se toma como referencia la información en el diseño de personajes y accesorios, donde se incluye la paleta de colores seleccionada para cada elemento.
No obstante, las tonalidades pueden variar significativamente dependiendo de la iluminación en cada escena. Por esta razón, los encargados de pintura deben saber bastante sobre la teoría del color y su correcta aplicación. Todo esto para asegurar que los colores cumplan los requerimientos del diseño y la historia en cada escena.
Por ejemplo, una escena puede ser durante la noche con los personajes sentados ante una fogata, mientras que en otra los personajes corren por una colina de frente al sol. Cada una muestra momentos muy diferentes, por lo que la pintura y aplicación de color cambia considerablemente entre ellas.
Otro aspecto importante a tener en cuenta, es que la aplicación de color es el último paso durante el proceso de producción. Esto significa a veces estar presionado para terminar tu trabajo con tal de que el episodio siga avanzando a tiempo. Por ende, Jisoo afirma que se requiere tener bastante conocimiento y habilidad para ser capaz de aplicar el color de manera rápida y eficiente.
Finalmente, al tener el proceso de producción completo, se unen todos los elementos para ser enviarlos al equipo de animación.
EL TRABAJO DE UN DIRECTOR DE ARTE
Jisoo comenta que un director de arte está en constante comunicación tanto con el equipo de diseño como animación. Ya que puede que durante el proceso, los animadores necesiten más información acerca del diseño de algún elemento o personaje. De esta manera, sirve como un enlace entre ambos departamentos para asegurar que se respeten los diseños originales pero a su vez, cumplan con lo especificado en la historia y puedan ser animados correctamente.
También se colabora frecuentemente con los productores del proyecto, ya que un director de arte se encarga de mostrarles todos los diseños para su revisión y aprobación. Estos pueden ser personajes, elementos, efectos o escenarios, ya sea en blanco y negro o a color. Posteriormente regresa al equipo de diseño y arte para comunicarles cualquier cambio o ajuste en caso de ser necesario. Este proceso se repite día con día, semana tras semana.
“El trabajo de un director de arte es saber manejar al equipo artístico en una producción. Desde el desglose de responsabilidades y actividades para todos los miembros, desarrollar diseños preliminares o crear nuevos personajes solicitados por el equipo de guionistas y storyboard. A lo largo de todo el proceso se debe supervisar, revisar y aprobar todo el trabajo hecho, buscando maneras en que se pueda mejorar constantemente” . – Paula Spence, directora de arte en Cartoon Network.
Otro aspecto importante a notar, es que normalmente los miembros del equipo de arte tienen un trabajo asignado en el cual trabajan cada semana. Sin embargo, Paula comenta que es común que un director de arte esté trabajando en 6 a 8 proyectos al mismo tiempo, supervisando distintas series de animación a la vez. Estas también pueden estar en diferentes etapas de producción.
Por ejemplo, debe supervisar el diseño de personajes en un proyecto, mientras que en otro tiene que presentar los escenarios pintados y terminados ante los productores, y en otro revisar ajustes solicitados por el equipo de animación. Por esta razón, puede ser bastante caótico y un director de arte debe saber organizar no solo los tiempos de su equipo sino los suyos también.
¿QUÉ ES LO MÁS IMPORTANTE EN UN PORTAFOLIO DE DISEÑO DE ESCENARIOS?
Paula comenta que lo primero es mostrar claramente que es lo que más te apasiona y cual es el área donde te quieres especializar. Ya sean storyboards, diseño de personajes o pintar escenarios, tu portafolio de arte debe estar enfocado en demostrar tus habilidades en dicha área. Un error que muchos artistas comentan, en su opinión, es poner toda clase de trabajos diferentes juntos en el mismo portafolio.
“Si vas a postularte para un trabajo como estilista de color, es útil poder ver trabajos donde tengas tanto escenarios y personajes al mismo tiempo. Pero si estás aplicando como diseñador de escenarios, no es necesario que incluyas diseños de personajes en tu portafolio. Puede que ya tengamos a un artista dedicado a eso último, de modo que no nos sirve ver eso en tu portafolio. Buscamos a alguien que pueda hacer el trabajo que se requiere específicamente para cada puesto”. – Jisoo Kim, directora de arte en Cartoon Network.
Si bien puedes creer que esto demuestra versatilidad, Paula opina que no envía un mensaje claro acerca de realmente cual es tu especialidad. Por ejemplo, ¿por qué enviarías un portafolio con varios escenarios y storyboards si quieres aplicar para un puesto de diseño de personajes? Por esta razón, Paula cree que es mejor que selecciones solo tu mejor trabajo en un área en particular.
Esto también tiene que ver con el hecho de que tu portafolio debe ser breve y conciso. Tampoco es correcto llenar página tras página con todos tus trabajos a lo largo de los años. Algo en lo que muchos reclutadores y profesionales concuerdan, es que es mejor mostrar calidad que cantidad. También puedes incluir varias imágenes del proceso detrás de alguna de tus obras, pero tampoco te excedas. Si bien es útil mostrar tu manera de trabajar, un director de arte espera ver múltiples piezas de arte completamente terminadas más que el extenso proceso detrás de cada una de ellas.
Paula comenta que una buena opción es tener tu portafolio en tu propio sitio web. De esa manera, puedes incluir todos tus trabajos en secciones distintas. De modo que el reclutador o director de arte pueda ver las obras que más le interesan y posteriormente, si tiene el interés de seguir viendo, pueda ver el resto de tu trabajo. Para esto, es vital que tu portafolio sea legible y el sitio web sea fácil de navegar a su vez.
¿QUÉ HABILIDADES SE REQUIEREN?
Paula comenta que una de las habilidades más importantes en el diseño de escenarios es ser capaz de dibujar en distintas perspectivas. También es fundamental demostrar conocimiento en la composición de escenarios así como firmeza en cada uno de tus trazos.
Jisoo por su parte menciona que debes ser capaz de dibujar toda clase de escenarios: tanto espacios exteriores como interiores, espacios arquitectónicos y naturales . De cierta manera, Jisoo piensa que es similar a tener una noción del diseño de interiorismo. A la hora de dibujar un escenario en la casa de un personaje, debes tener en cuenta todos los muebles y elementos presentes así como la manera en que se puede interactuar con ellos. A su vez, cada espacio dentro de su hogar debe representar un aspecto de la personalidad del personaje.
“Cada habitación debe estar específicamente diseñada para contar la historia detrás del personaje. Especialmente si se trata de la sala de estar o su cuarto. Cada detalle cuenta a la hora de construir el trasfondo de los personajes, así como el mundo en el que habitan”. – Jisoo Kim, directora de arte para Summer Camp Island.
Paula concuerda con esto, ya que sin importar el escenario que estés diseñando, debes prestar mucha atención a los detalles. Cada espacio debe parecer real dentro del mundo de la serie animada en la que trabajas. Tampoco se trata de agregar elementos innecesarios para que los escenarios se vean más saturados, sino de agregar pequeños elementos para que el escenario cobre vida dentro de la historia.
Por otra parte, para la pintura y aplicación de color, Paula afirma que es vital conocer el estilo artístico de cada proyecto. La teoría de color puede ser la misma, pero es muy diferente la manera en que se aplica en Summer Camp Island a comparación de Regular Show. Sin importar de que serie se trate, cada una tiene un desarrollo visual distinto, por lo que debes poder adaptarte a todos los estilos sin que tu aplicación de color se vea afectada.
Respecto a esto, Jisoo comenta que es bueno poder adaptarse a diferentes estilos. No obstante, es importante que también poseas un estilo particular en el cual no solo seas realmente bueno sino que también disfrutes al trabajar. En conclusión, lo ideal es tener un estilo auténtico y personal pero también ser capaz de trabajar en una variedad de otros estilos.
PROGRAMAS QUE SE RECOMIENDA APRENDER
Jisoo afirma que es fundamental saber usar Photoshop, puesto que es una herramienta ampliamente usada en la industria. Por otro lado, Paula agrega también los programas de Toon Boom Harmony e incluso Flash. Algunos diseñadores de escenarios incluso usan SketchUp o Maya para darle a sus espacios un aspecto más tridimensional.
Otro programa que Paula recomienda es Clip Studio Art. En su opinión, incorpora distintos elementos comunes de programas como Adobe Illustrator y Photoshop, por lo que rápidamente se está convirtiendo en una herramienta utilizada por diversos artistas en la industria de animación.
Sin embargo, Paula afirma que también es útil saber utilizar técnicas tradicionales. A pesar de que la mayoría de las producciones animadas se llevan a cabo de manera digital, menciona el caso de Regular Show donde los escenarios eran dibujados y pintados a mano frecuentemente.
Con información de Cartoon Network Studios.
