Con el constante avance de la tecnología, hoy en día es posible estudiar carreras en y trabajar en áreas profesionales que antes hubieran resultado imposible de imaginar. Un claro ejemplo de esto son los videojuegos. Previamente considerados como un simple pasatiempo, los videojuegos han crecido a través de los años hasta convertirse en una industria que tan sólo en 2018, generó $134.9 billones de dólares en todo el mundo. ¿Pero cómo puedes obtener un empleo en la industria de videojuegos? ¿Cuales son las distintas vacantes que suele haber y qué habilidades se necesitan?
Para explicarte sobre ello, te tenemos la información de Ryan Kingslien y Alajandro Rodriguez. Ryan es el autor del popular podcast de “Game Artist”, además de fundador de Vertex School. Por su parte, Alejandro es un reclutador para 343 Industries. Este estudio de videojuegos es mundialmente reconocido por su trabajo en la exitosa saga de Halo.
¿CUÁL ES EL TRABAJO DE UN ARTISTA EN LA INDUSTRIA DE VIDEOJUEGOS?
Básicamente un artista de videojuegos es aquel que se dedica a crear elementos gráficos y visuales ya sea en 2D o 3D. Puede enfocarse en personajes, vehículos, escenarios, accesorios, objetos o texturas. Todos estos elementos en conjunto le dan a un videojuego su aspecto característico.
Dependiendo del área donde colabores, puede que tengas que realizar ilustraciones y dibujos o hasta modelados y renderizados. Además, como artista en la industria de los videojuegos tu trabajo es supervisado por el director de arte o los responsables del departamento donde estés. Hay varias áreas donde puedes desarrollarte y trabajar en elementos específicos, a continuación te hablamos de algunas de ellas.
Artista de Personajes
Este trabajo requiere tomar como base el arte conceptual de los personajes y desarrollarlo para ser renderizado y cobrar vida. Es decir, se necesita hacer un modelo 3D de los personajes tomando como referencia los bocetos y dibujos del concept art y diseño de personajes. En algunos casos, el trabajo de texturizado y sombreado se pasa a otros especialistas del departamento de arte.
En un estudio de mayor nivel, es común que un artista de personajes se haga responsable de 2 o 3 personajes dentro de un juego. Sin embargo, en estudios donde el personal es menor, cada artista debe trabajar en múltiples personajes al mismo tiempo. Esto también puede variar dependiendo del alcance del proyecto, el presupuesto disponible y las habilidades de cada artista.
Como puedes darte cuenta, este trabajo involucra más producción que diseño, puesto que el artista conceptual es el encargado de idear al personaje. Aunque puede que un artista de personajes también pueda rediseñar y hacer ajustes en el diseño conceptual original.
Artista de Escenarios
Esta persona es la responsable de crear el mundo dentro del videojuego. Este puede incluir espacios exteriores e interiores, montañas, bosques, senderos y hasta elementos arquitectónicos como edificios o pirámides.
Al igual que el caso anterior, se toma como base el diseño conceptual para después ir agregando texturas, colores, iluminación y otros detalles. Normalmente en un equipo de artistas de escenarios, hay un líder quien se encarga de supervisar a los demás miembros y asegurar que haya consistencia entre todos los elementos.
De igual manera, se está en constante comunicación con miembros de otros equipos. Esto para tener en cuenta las necesidades específicas de cada escenario: qué personajes aparecerán en él, la manera en que interactúan con los escenarios o si se requieren dinámicas especiales para avanzar la historia.
Esto requiere una gran planeación por parte de los distintos equipos, por lo que también se consulta a los artistas conceptuales durante el proceso. De esta manera se aseguran de comenzar a trabajar en todos los elementos esenciales. De igual manera, los artistas de escenarios tienen la libertad de modificar los diseños conceptuales según consideren necesario.
Artista Conceptual
Cuando el director creativo y el director de arte tienen una idea que quieren introducir en su videojuego, es responsabilidad del artista conceptual poderlo plasmar en una serie de imágenes. Y a diferencia de los casos anteriores donde se especializaba en un elemento, un artista conceptual puede trabajar tanto con personajes como escenarios.
Lo difícil está en que quizás únicamente tengas una descripción para comenzar a trabajar. Por ejemplo, es probable que te pidan desarrollar diseños conceptuales de una “ciudad abandonada”, “un aparato alienígena de tecnología futurista” o “un personaje con habilidades de ninja”. En resumen, cualquier cosa que pueda formar parte del videojuego, sea un personaje, escenario, criatura o accesorio.
Trabajando de cerca junto al director de arte, además es importante que todos los diseños tengan semejanzas entre sí y manejen el mismo estilo. De esta manera, se define el aspecto visual que tendrá un videojuego desde su etapa de desarrollo.
¿CUÁL ES EL SALARIO DE UN ARTISTA EN LA INDUSTRIA DE VIDEOJUEGOS?
Por supuesto, no hay una cifra designada para el salario de un artista en concreto. Esto puede variar dependiendo de diversos factores, como el área donde se especialice, años de experiencia y el país donde trabaje o el estudio para el cual colabore.
No obstante, a continuación se muestran datos proporcionados por GlassDoor, una empresa que se dedica a revisar distintas empresas y evaluar de manera anónima los salarios de sus trabajadores. Esta información, referente a los salarios promedio de Estados Unidos, puede al menos darte una perspectiva de la situación.
Por ejemplo, un artista o animador en la industria de videojuegos con menos de 3 años de experiencia puede ganar alrededor de los $55,000 dólares anuales. Del otro extremo, tenemos a un director de arte con más de 6 años de experiencia y un salario aproximado de $110,000 dólares por año.
De igual manera, cuánto dinero recibes puede variar dependiendo del título que posees y el área donde específicamente labores. El sueldo es bastante similar en lo que respecta a artistas de personajes, artistas conceptuales y generalistas. Sin embargo, un artista de escenarios recibe un sueldo mayor.
De manera general, un estudio en la industria de videojuegos que sea exitoso, tendrá un mayor presupuesto. Esto a su vez le permite pagar mejor a sus empleados. Esto funciona de manera diferente en estudios independientes o con menores presupuestos.
Ahí suele valorarse más la experiencia de un artista generalista que, aunque no se especialice en ninguna área, sea capaz de trabajar en todas ellas. Por lo tanto, recibirá un mejor salario en estudios bajo dichas condiciones. Por su parte, los estudios con equipos grandes prefieren artistas que poseen especialidades en algún área específica, capaces de trabajar en ella de manera experta.
¿QUÉ HABILIDADES SE REQUIEREN?
Lo que muchos piensan a la hora de aplicar para un trabajo de artista en la industria de videojuegos, es que necesitan amplia experiencia así como dominio de distintas técnicas. Esto resulta lógico si quieres postularte para un puesto senior o como director de arte. Sin embargo, no es lo mismo en otras vacantes.
Por ejemplo, si estás buscando iniciarte en la industria de los videojuegos, puede que apliques para un puesto generalista o de artista junior. En ese caso, los reclutadores tienen una perspectiva diferente para elegir a la persona indicada para el puesto. Es decir, debes poseer las habilidades básicas necesarias para realizar el trabajo adecuadamente, pero más importante, debes demostrar que puedes seguir aprendiendo y creciendo.
Puede sonar duro pero según palabras de Alejandro, en la industria de los videojuegos no importa donde estudiaste o de qué país procedes. Lo único que importa es tu trabajo: qué tan bueno eres y qué tanto puedes seguir mejorando. Tu portafolio de arte puede decir mucho más de tu persona de lo que crees.
Después de todo, un reclutador experimentado puede descifrar muchas cosas sobre ti y tu trabajo a partir de tu portafolio. En opinión de Alejandro, estas son las 5 cualidades que debes ser capaz de demostrar:
Puedes terminar tu trabajo por completo
No importa qué tan sencillas o complicadas sean tus piezas, pero estas deben estar completamente terminadas. Trazos limpios, luces y sombra, aplicación de color, degradados o efectos, todos estos elementos sirven para demostrar que eres capaz de iniciar con un simple bosquejo y completar la pieza de arte hasta su última etapa. Para esto ayuda también mostrar todo el proceso de tu trabajo.
“En empresas como Blizzard y 343 Industries se pasa la mitad del tiempo del proyecto en tener las cosas 90% listas. El resto del tiempo se usa en pulir el trabajo y tenerlo realmente terminado. Por experiencia propia, sabemos lo complicado que puede ser acabar algo por completo”. – Alejandro Rodriguez, reclutador de 343 Industries.
Puedes contar una historia
Detrás de todo juego exitoso, hay una historia interesante que atrapa la atención del jugador. Todos los elementos que diseñes, sean personajes, escenarios o accesorios, deben ser capaces de transmitir el ambiente del juego y formar parte de su historia. Muchas veces es fácil quedarse enfocados en los aspectos técnicos de la producción de un juego, pero Alejandro insiste en que es importante recordarlo.
¿Pero cómo puedes mostrar esas habilidades en tu portafolio? Puedes hacer un cómic o historietas breves que cuenten una historia de manera breve. También puedes formar una narrativa a través de una serie de imágenes aún sin usar ni una sola palabra. El solo hecho de diseñar personajes y dejar que uno descubra sus personalidades y orígenes a través de su apariencia, ropa y accesorios, es una manera de contar una historia de manera efectiva.
Así que solamente depende de ti cómo lograr que tu portafolio demuestre que eres capaz de comunicar ideas de manera creativa.
Puedes resolver problemas
Debes poder demostrar que piensas de manera creativa para encontrar soluciones. Además es importante mostrar atención en los detalles, así como habilidades analíticas de manera visual. Esto significa ser consistente a la hora de realizar una pieza y cuidar todos sus aspectos.
Un reclutador es capaz de observar en qué momento la perspectiva se pierde, si la anatomía de un personaje es incorrecta o hasta cuando el acabado de un escenario es pobre porque el artista lo acabo a las prisas. Debes cuidar todos estos aspectos para evitar que juzguen tu trabajo negativamente.
Por el contrario, si eres capaz de hacer una obra complicada, el reclutador podrá ver que eres capaz de superar problemas y que tu experiencia puede ser de gran ayuda para el estudio.
Tienes la pasión de un artista
Quizás uno de los aspectos más importantes, es demostrar que te apasiona lo que haces. Esto también significa dar a conocer tu personalidad, gustos y planes para el futuro. Los reclutadores deben conocer que clase de artista eres y qué es lo que esperas lograr.
Por ejemplo, puedes mencionar que tu juego favorito de pequeño era Mega Man X. Pero no te quedes ahí, habla más al respecto. ¿Qué fue lo que más te gustó de ese juego? ¿Fueron sus personajes o historia?
Ahonda un poco más, por ejemplo, al mencionar que el diseño de sus personajes no solamente resultaba interesante sino que complementaban la historia por un número de razones. O que sus diseños proporcionaban una mejor experiencia de juego.
Esta es una manera de mostrarle a los reclutadores no solamente que eres apasionado, sino que eres capaz de analizar distintos elementos a detalle y procesarlos de manera racional para beneficio del juego.
Eres diferente al resto
Debes entender que un reclutador ve decenas o cientos de portafolios, por lo que debes lograr destacarte de alguna manera. En opinión de Alejandro, hay muchos artistas que se limitan a hacer lo que les piden y ya. Les basta con cumplir los requerimientos básicos y dar por terminado su trabajo.
Esto no necesariamente significa que debas ser perfeccionista y siempre hacer más. Tampoco debes saturar o exagerar tus piezas de arte. Pero siempre debes preguntarte de qué manera puedes mejorar. Así sea a través de pequeños detalles, los reclutadores valoran mucho este tipo de esfuerzos.
Por ejemplo, no presentes a tus personajes en una pose estática o siempre desde el mismo ángulo. Eleva los detalles de tu presentación a través de poses dinámicas y perspectivas. No es necesario que digas “soy diferente a los demás”, ya que como hemos dicho anteriormente, tu trabajo hablará por ti.
LOS PROGRAMAS QUE SE RECOMIENDAN APRENDER
Como se mencionó previamente, no es indispensable que domines por completo todos estos programas. Sin embargo, Alejandro afirma que el poseer conocimientos acerca de su uso puede ayudarte a ser mejor visto ante los ojos de un reclutador en la industria de los videojuegos.
Substance Designer
Para un artista de escenarios puede ser de gran utilidad el saber utilizar este programa. Para que te hagas una idea, Alejandro comenta que James Ritossa fue contratado siquiera antes de ir a la universidad debido a su conocimiento de superficies, texturas y dominio de Substance Designer.
Si te interesa aprender a usar este programa de materiales y texturas, debes saber que su licencia tiene un costo que va desde los $19.90 hasta los $99.90 dólares anuales. A su vez cuenta con una versión de prueba gratis durante 30 días, disponible para sistemas con Microsoft Windows, macOS y Linux.
Marvelous Designer
Este es un programa que en opinión de Alejandro, puede facilitar el trabajo de los artistas 3D de manera rápida y eficiente. Enfocado en el diseño de ropas y tejidos, Marvelous Designer simula de manera realista las distintas texturas y apariencias de una gran variedad de telas.
Al igual que en el caso anterior, su licencia tiene un costo que puede ir desde los $50 hasta los $490 dólares si es para uso personal. También cuenta con planes especiales para empresas y escuelas. A su vez, te permite descargar una versión de prueba gratuita durante 30 días, la cual está disponible para sistemas Windows y macOs.
Zbrush
Esta herramienta es tan popular y útil que se ha usado en películas reconocidas como la trilogía de El Señor de los Anillos. Con ella podrás enfocarte en la creación de objetos 3D con un gran nivel de calidad y detalle.
Por supuesto, Zbrush es una herramienta cuya licencia tiene un costo. Puedes elegir pagar $39.95 dólares al mes o $179.95 dólares cada 6 meses. También está la opción de obtener la licencia de manera permanente a través de un único pago de $895 dólares. A su vez, la versión de prueba gratuita durante 30 días está disponible tanto para sistemas Windows como macOS.
Autodesk Maya y 3Ds Max
Para realizar trabajos de modelado, skinning, rigging, efectos de líquidos y partículas y demás, cualquiera de estos dos programas es ideal. Ambas herramientas de Autodesk son frecuentemente utilizadas en el campo de la animación 3D así como en la industria de los videojuegos.
Tanto en el caso de Maya como 3Ds Max, existen distintas maneras de pagar la licencia. Por ejemplo, puedes elegir hacer un pago mensual de $114.42 dólares o bien, pagar $915.19 dólares al año. También tienes la opción de adquirir la licencia durante 3 años con un costo de $2,470 dólares. Si lo deseas, también puedes descargar la versión de prueba gratuita para cualquiera de los programas durante 30 días.
Con información de Vertex School e Issuu.
