Cartoon Network estuvo presente durante la edición online de Comic-Con 2020. Durante el evento, Cartoon Network tuvo varios paneles donde anunció la llegada de nuevas series así como la producción de más temporadas para algunas de sus caricaturas más populares. De entre las nuevas producciones se destaca la película de “Ben 10 vs The Universe”, así como el primer vistazo a los animatics de la segunda temporada de “Mao Mao”. Además de todo ello, también se dio una Masterclass acerca del arte del storyboard en Cartoon Network.
LOS ARTISTAS DE CARTOON NETWORK
En esta Masterclass se contó con la participación de algunos de los artistas más renombrados en el estudio, entre ellos se destaca Julia Pott, quien es la responsable detrás de la serie animada de Summer Camp Island, misma que hizo una aparición el Festival de Animación Annecy este año.
Iniciando en la industria creativa como una ilustradora para libros infantiles, Julia Pott se dio cuenta de que quería llevar las cosas al siguiente nivel y darle vida a sus dibujos, tras lo cual realizó su primer corto animado, “My First Crush”, el cual llegó a aparecer en la página principal de recomendaciones en Youtube, dándole mayor visibilidad a su obra y llamando la atención de varios profesionales.
Tras regresar a la escuela para obtener su maestría en animación, Pott continuó realizando diversos cortos que incluso fueron seleccionados para aparecer en diversos festivales de cine. Posteriormente al mudarse a Los Ángeles se encontraría trabajando como escritora para Adventure Time en Cartoon Network, tomándose junto al resto del equipo alrededor de 2 años para tener listo el episodio piloto. En comparación, hoy en día puede producir alrededor de 40 episodios para Summer Camp Island en tan sólo un año, lo cual la ha convencido del enorme avance que se ha dado a través de los años en la producción de series animadas.
Por otro lado, la Masterclass también cuenta con la presencia de Mic Graves, escritor y director de El Increíble Mundo de Gumball. Este veterano de la industria comenzó siendo un interno para un estudio de animación, avanzando poco a poco hasta llegar a donde se encuentra hoy en día.
Alabaster Pizzo, otra ponente en la Masterclass, es la encargada del storyboard en Cartoon Network para Summer Camp Island, además de tener 10 años de experiencia trabajando como caricaturista independiente. Es precisamente su labor como encargada de storyboard en Cartoon Network lo que le ha permitido mejorar también su trabajo en la elaboración de cómics, tanto artística como narrativamente.
Por último tenemos a Chuck Klein, supervisor de producción en Apple & Onion; quien comenzó su carrera profesional como diseñador gráfico antes de pasar a hacer storyboards para anuncios publicitarios, eventualmente quedando en quiebra y sin empleo. Dibujando sin parar con tal de mejorar sus habilidades, finalmente consiguió un trabajo en la industria animada a los 34 años. Lo cual demuestra una vez más que la perseverancia y esfuerzo dan frutos.
EL PROCESO DETRÁS DEL STORYBOARD
Quizás al ver una serie animada por televisión no te des cuenta, pero lo cierto es que el proceso de storyboard es uno de los más importantes durante su producción: ya que esto representa el plano a seguir para todo lo que se necesita hacer posteriormente. Es también el primer paso en llevar las palabras del guión a un medio visual, que de ahí pasará a ser un animatic y finalmente una serie.
Puede que para alguien que no conozca este proceso parezca un simple boceto, pero inclusive los bocetos del storyboard pasan por múltiples revisiones y ajustes antes de ser aprobados. Esto en ocasiones, puede provocar problemas entre los distintos artistas ya que no siempre se puede llegar a un acuerdo en común. Algunos, con justa razón, lo ven como un arte sin embargo no hay que dejar de estar conscientes que además es una herramienta que debe de ayudar a los animadores a llegar al resultado final. Por esto y en resumidas cuentas, no se debe tomar nada personal y hallar la manera de colaborar con el resto del equipo.
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Mic Graves en su papel de director de una serie animada, explica su proceso: primero que nada le otorga una copia del guión a los artistas de storyboard en Cartoon Network, quienes harán el primer borrador visual en Toon Boom para después proponérselo y pasar por 3 a 5 revisiones junto al supervisor de animación. Esto ayuda a refinarlo al máximo y dar como resultado el mejor storyboard posible. ¿En cuanto a su metodología durante el proceso?
Es verdad que los artistas de storyboard en El Increíble Mundo de Gumball trabajan en Toon Boom, sin embargo, a la hora de presentar la propuesta se lleva una copia impresa, sobre la cual Mic pone sus ajustes mediante notas de post it. Para Alabaster Pizzo, lo más interesante resulta en saber que las poses, movimientos, expresiones de los personajes y escenarios que finalmente se ven en una serie animada, comienzan siendo obra suya y que de alguna manera, sus decisiones influyen en el resto del proceso.
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Julia Pott por su parte, comenta que su método favorito para hacer storyboard inicia con la tradicional técnica de lápiz, papel y notas de post it. Tras tener listo el borrador inicial, este se escanea y pasa a ser refinado mediante el programa de Storyboard Pro. De esta manera se mantiene la fluidez y versatilidad de los trazos originales en lápiz pero teniendo el acabado profesional de un medio digital, lo cual ayuda enormemente a los demás involucrados en el proceso. Así que al igual que en el caso de Mic Graves, nuevamente tenemos tanto métodos tradicionales como digitales aplicados durante el proceso de storyboard en Cartoon Network.
Curiosamente para Chuck Klein, quien tiene la experiencia de trabajar tanto con medios tradicionales como digitales, la elección es clara: todo es más fácil y práctico al trabajar en computadora con Storyboard Pro.
LOS RETOS DE TRABAJAR UN STORYBOARD
Te preguntarás, ¿cuál es el mayor reto durante un proyecto de storyboard en Cartoon Network? Para Julia Pott es el saber manejar los tiempos necesarios para completarlo antes de la fecha de entrega. En ocasiones, los artistas se quedan enfrascados trabajando en una sola porción del storyboard y después no tienen el tiempo necesario para completar el resto adecuadamente. En otras ocasiones, comienzan dibujando las partes que más le divierten del guión, dejando al último las que no les llaman tanto la atención y dando como resultado que no se complete en ocasiones.
Por eso recomienda siempre ir forzosamente de inicio a fin a un ritmo adecuado. No te detengas, sigue trabajando y completa el storyboard para que después si te sobra el tiempo, puedas darle una revisión y pulir las partes que consideres necesarias. Para Alabaster Pizzo, algo que puede ser de gran ayuda es dividirlo en secciones y saber exactamente cuánto es el mínimo que tienes que ir avanzando cada día. Añade también que trabajando en Storyboard Pro, naturalmente el proceso se hace más rápido.
Sin embargo, hay otras consideraciones especiales que debes tener en cuenta si tu proyecto de storyboard es para una serie de comedia. Mic Graves opina que no puedes lucirte mucho con tus dibujos en casos así, puesto que si se le presta demasiada atención a los personajes, los escenarios y demás detalles, se pierde de vista el chiste o mensaje cómico para dicha escena. En su experiencia, mientras más sencillo es mejor.
Pizzo concuerda con esto, pues asegura que es innecesario agregar demasiados detalles. Incluso en ocasiones decide reutilizar el mismo escenario, lo cual también ahorra tiempo y trabajo para el resto del equipo encargado de llevar a cabo la animación. Y algo que puede ser útil en todos los proyectos, sean de comedia o no, es tener muchas referencias visuales de otros storyboards para conocer la manera en que los demás artistas trabajan y han logrado resolver distintas situaciones.
CONSEJOS PARA MEJORAR TU TRABAJO
¿Qué es lo que hace genial a un storyboard? En opinión de Pizzo, lo primero es que te familiarices con los personajes que habrán de aparecer. Debes conocerlos casi a un nivel personal para entender cómo van a reacciones en diversas situaciones y cómo interactúan entre ellos. Después de todo, hay un mundo de diferencia cuando puedes notar que el artista de storyboard disfruta trabajar en una historia y sus personajes.
¿Pero qué pasa si es una nueva historia y no sabes cómo reaccionarían los personajes? El consejo de Chuck Klein es que actúes la escena tú mismo, muevas tu cuerpo y pruebes con distintas expresiones frente a un espejo para encontrar las que mejor se adecuen a cada escena. Y de nuevo, ¡busca referencias de otros artistas!
Para Mic Graves, lo importante es leer varias veces un guión hasta estar seguro de entenderlo y después poderlo resumir a sus elementos más importantes. De esta manera te concentras en solo lo esencial y no pasarás tanto tiempo retrabajando cuando inevitablemente lleguen correcciones y ajustes. Por supuesto, otro consejo útil es que dediques un tiempo a practicar y dibujar constantemente los personajes.
CONSEJOS PARA TRIUNFAR EN LA INDUSTRIA
Finalmente, ¿qué hacer para triunfar como artista de storyboard? Aquí tenemos consejos sencillos pero útiles por parte de los 4 artistas ponentes. Julia Pott comenta que debes estar involucrado en el proceso, realmente estar dispuesto a dar lo mejor de ti, aceptar sugerencias y críticas constructivas y hallar la manera de cómo ayudar a hacer que el trabajo salga de manera fluida. Ser organizado y puntual puede ser mucha ayuda, puesto que la gente tendrá más confianza en tu trabajo y estarán dispuestos a abrirte la puerta y colaborar contigo.
Chuck Klein por su parte, dice que no te limites a hacer lo mínimo para cumplir con lo que te han solicitado. Pon algo más de tu creatividad, da el extra y haz lo que sea necesario para que los personajes realmente parezcan que son reales, con personalidades, sentimientos y formas de ser únicas. Alabaster Pizzo lo resume de una manera muy sencilla: si vas a trabajar en computadora, recuerda guardar tus avances frecuentemente. Suena lógico y obvio pero ella admite que en varias ocasiones le ha pasado que se va la luz después de todo un día de trabajo, perdiendo valiosas horas de avance que debe volver a comenzar.
Por otro lado, también sugiere hacer conocer tu trabajo, ya sea asistiendo a eventos y convenciones o publicando constantemente tus obras en redes sociales y plataformas digitales. Al tener un portafolio decente, no temas en contactar a figuras en la industria y utilizar cualquier oportunidad para obtener retroalimentación para así continuar mejorando.
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Por último, Mic Graves comenta que las habilidades artísticas no son tan importantes cuando se trata de storyboard. Lo más esencial es tener habilidades de comunicación para saber transmitir ideas de manera sencilla y eficaz. Si entiendes del proceso de producción de una serie o película y puedes comunicar ideas y plasmarlas de manera visual en papel, tienes lo necesario para comenzar una carrera como artista de storyboard.
VENTAJAS Y DESVENTAJAS DE SER UN ARTISTA DE STORYBOARD
Está más claro que el proceso de storyboard en Cartoon Network es uno de los más importantes, pues casi todo lo que uno puede ver al mirar una serie animada, viene de alguna manera de ello. A pesar de esto, Mic Graves reconoce que un problema al ser un artista de storyboard es que tu trabajo no siempre recibe el reconocimiento que merece. Si bien tanto series y películas pueden rastrear el inicio de su producción a un storyboard, es algo que a final de cuentas, no se aprecia en la pantalla. Por ende, el trabajo de un artista de storyboard resulta un tanto invisible, oculto detrás de toda la labor de diseño, animación, efectos especiales, composición e iluminación.
Julia Pott insiste que aún así, estos artistas deberían tener su propio pedestal y ser celebrados por su enorme contribución en las producciones artísticas. Y en palabras de Chuck Klein, cuando finalmente ves tu nombre en los créditos por primera vez, es una experiencia verdaderamente maravillosa.
Para concluir, Mic Graves habla sobre la increíble libertad que se tiene al trabajar en storyboard. Claro, hay un guión de por medio que debe usarse como base, pero tienes completa libertad de crear cosas, plasmar personajes, escenarios y demás de la manera que tu creatividad dicte. Y saber que al final del día, todo lo que se ve en una serie animada está basado en lo que dibujaste en tu storyboard, es una sensación de satisfacción sin igual. Por supuesto, no es tan fácil cuando hay cambios de guión y tienes que rehacer todo el proceso, pero nuevamente insiste, al final del día todo vale la pena.
Con información de Comic-Con 2020 y Nerds & Beyond.
